15 Saxofoon Albums You Should Hear
15 SAXOPHONE ALBUMS
YOU SHOULD HEAR
December 14, 2018 | by Richard Scheinin
John Coltrane A Love Supreme artwork
Voor het grootste deel van een eeuw is het geluid van jazz onafscheidelijk geweest van het geluid van de saxofoon: dringend, jammerend, uniek expressief. Telkens weer hebben de vernieuwingen van saxofonisten de muziek verder gebracht: van Lester Young tot Charlie Parker, John Coltrane en verder.
Dus hier zijn we, in een poging om deze geschiedenis van saxofoonglorie samen te vatten in een lijst van 15 opnames. Veel geluk, nietwaar? Wat je nu gaat lezen beslaat zo’n 80 jaar jazzgeschiedenis. Ik heb geprobeerd om “essentiële” opnames op te nemen, opnames die iedereen die geïnteresseerd is in jazz zou moeten horen. Maar hier en daar neigt de lijst naar persoonlijke favorieten. Hoe kan je tenslotte maar één album van Sonny Rollins kiezen? Soms moet je het gewoon doen met degene waar je het meest van houdt.
Wat meer is, deze lijst van “essentials” mist tientallen baanbrekende spelers. Dat is onvermijdelijk, maar het doet pijn om te denken aan de muzikanten die het niet gehaald hebben. Er staat geen Johnny Hodges op deze lijst. Geen Ben Webster of Dexter Gordon. Geen Cannonball Adderley of Joe Henderson of Jackie McLean. Geen Roland Kirk of Pharoah Sanders of Archie Shepp. Geen Sam Rivers of Billy Harper. Geen Michael Brecker of Kenny Garrett of Joe Lovano of Ravi Coltrane.
Tot op zekere hoogte vereist de voltooiing van deze lijst dus het maken van een andere. Misschien gebeurt dat over een paar maanden.
Maar bekijk in de tussentijd deze 15 essentials.
Coleman Hawkins
Body and Soul (RCA, 1939, bloemlezing op Coleman Hawkins: Ken Burns’ Jazz, op Verve)
Als oudere zou Hawkins – “Vader van de tenorsaxofoon” – mentor worden van Thelonious Monk en spelen met de avant-gardist Eric Dolphy. Maar dit iconische nummer stamt uit een eerdere fase van zijn carrière, toen hij de saxofoon letterlijk op de kaart zette, door te laten zien dat het geen onhandig marcherend band instrument was – nee, dankzij Hawkins zou het het dominante instrument in de jazz worden. Dit nummer wees de weg. Net als zijn held Louis Armstrong, was Hawkins’ opvatting commandant en briljant helder. Luister naar zijn geluid, gespierd en rijp, als hij zich door refrein na refrein beweegt, zijn frases versiert met fleurige accenten, noten laat volgen en dan weer terug gaat naar de bergtop. Zijn improvisatie ontvouwt zich in etappes, als een reusachtige cadens. Hawkins liet zijn collega’s niet alleen zien hoe je een ballad magnifiek speelt. Meer nog, hij leerde hen een geïmproviseerde solo te bouwen op het instrument dat het geluid van de jazz zou gaan bepalen.
Lester Young
Indiana (Aladdin, 1942, verkrijgbaar op The Complete Aladdin Recordings of Lester Young, op Blue Note)
Wanneer wordt adem geluid? Dat is het mysterie bij Lester Young, die zijn laatste ronde refreinen op dit nummer begint met een nauwelijks gemompelde frase – slechts het spoor van een idee, hoewel het onmiddellijk de aandacht trekt. Wat is het volgende, vraag je je af? Waar brengt Lester me naartoe? Net als Miles Davis, een van zijn erfgenamen, neemt Young je mee naar een heldere schoonheid, verborgen in een wazige, bluesy werveling. Er zijn nooit te veel noten bij Young. Zijn spel is een essentie – zwevend, zijdeachtig, swingend. Deze triotrack met pianist Nat King Cole en bassist Red Callender is een indringende foot-tapper. Toch voelt het zo ontspannen aan dat je niet weet of je moet dansen of gewoon moet luisteren naar het gesprek. Is Lester aan het lachen? Huilt hij? Binnen een korte zin, kan hij beide doen. Zijn stem heeft een generatie spelers gevormd en blijft inspireren.
Charlie Parker
Bird of Paradise (Dial, 1947, gebundeld op The Complete Savoy & Dial Master Takes, Savoy Jazz)
Zoals een radio-ontvanger, draaide de jonge Charlie Parker – “Bird” – Hawkins en Young in, samen met Chu Berry, Ben Webster en andere geniale saxofonisten die in de jaren dertig in Kansas City, Parkers geboortestad, werkten. Wat gebeurde er daarna, en waarom? Wel, hoe verklaar je J.S. Bach? De taal van Parker zou, net als die van Bach, uit een universele bron kunnen zijn voortgekomen, gezien de interne logica en uiterste schoonheid – om nog maar te zwijgen van de blues-essentie, waanzinnige melodieën en tempo’s die rondtollen als de metro’s die Parker van Harlem naar 52nd Street brachten na zijn verhuizing naar New York. Hij zette ook een paar prachtige ballad uitvoeringen neer, waaronder “Bird of Paradise” (gebaseerd op de akkoord veranderingen van “All the Things You Are”), van zijn opnames uit 1946-47 voor het Dial label. Nadat je door de aangrenzende nummers bent gegaan – “Dexterity,” “Bongo Bop,” “Klact-oveeseds-tene,” en “Scrapple from the Apple” – heb je je vaste voet gezet in Bird’s World. In al die nummers speelt trouwens zijn toenmalige band met trompettist Miles Davis en drummer Max Roach.
Sonny Rollins
Sonny Rollins Plus 4 (Prestige, 1956)
De uitbundigheid, het eindeloos rondspinnen van ideeën: Rollins is als geen andere improvisator. Dit album bevat twee van zijn beste composities – “Valse Hot” en “Pent-Up House” – en vindt hem in zo’n uitgelaten stemming dat je niet anders kunt dan je goed voelen tijdens het luisteren. Dubbel goed, omdat het album hem koppelt aan de grote trompettist Clifford Brown. Ze spelen als zielsverwanten, waarbij de empathie wordt versterkt door het feit dat dit een werkende band is: Het is eigenlijk het Clifford Brown-Max Roach Quintet, waar Rollins lid van was. Toch, nummer na nummer, commandeert de saxofonist de datum. Luister naar zijn solo op “Kiss and Run” – levendig, onoverwinnelijk swingend, melodieus inventief en bovenal vervuld van vreugde en zijn speciale soort vitaliteit. Rollins is niet te stoppen, als een rivier. Hij rondt de date af met “Count Your Blessings,” hartgrondig en direct, een echt kippenvel-optreden. Dank u, Mr. Rollins.
Eric Dolphy
Far Cry (New Jazz, 1962)
Oh, Dolphy, niemand maakte klanken zoals jij: die warbles en wails, die fluttered cooings en exploderende guffaws. De albums van de virtuoze multi-reedist zijn gevuld met een eigenzinnige avant-bebop, wild en grillig. Hij zal je laten lachen. Hier op zijn tune “Miss Ann,” klinkt hij als Charlie Parker dwars over een diagonaal: Cubist Bird, vreemd logisch en nooit meer dan een paar millimeter verwijderd van de blues. En Dolphy kon ooit een melodie spelen: Zijn “Left Alone” (op fluit) brengt rillingen. Zijn “Tenderly” (solo, op altsax) doet je in een plasje veranderen. Zijn “It’s Magic” (op basklarinet) moet wel een van de meest soulvolle dingen zijn die je ooit zult horen, ook al piept hij in het midden van zijn optreden. Dolphy was een mengeling van intellect, hart en verbeelding – en obsessie, want hij was altijd obsessief op zoek naar zijn waarheid, het geluid dat hij in zijn hoofd droomde. Coltrane hield van hem, net als Charles Mingus en Ornette Coleman, met wie Dolphy de iconische “Free Jazz” opnam op dezelfde dag dat hij dit speciale album opnam, “Far Cry.”Far Cry”
John Coltrane
A Love Supreme (Impulse, 1965)
Een mijlpaal in de muziek van de 20e eeuw, de plaat begint met de gewaagde slag van een Chinese gong, de galm ervan maakt de lucht vrij voor wat komen gaat. “A Love Supreme’ is een suite die zich opbouwt als een religieuze dienst, en werd door de saxofonist in de begeleidende notities van de LP omschreven als een offer aan God. Het kristalliseert het Coltrane geluid, dat van zijn supernova saxofoon en van zijn klassieke kwartet met pianist McCoy Tyner, bassist Jimmy Garrison en drummer Elvin Jones. Na meer dan een halve eeuw is het album nog steeds adembenemend. Luisteraars voelen dat “alles gloednieuw was” voor de vier musici rond de tijd van de opname, vertelde saxofonist Ravi Coltrane, John’s zoon, me een paar jaar geleden. “Het is net als wanneer planeten op één lijn staan. Dat gebeurt niet elke dag.”
Wayne Shorter
JuJu (Blue Note, 1965)
De nu 85-jarige Shorter is de Yoda van de jazz, een meester in geheime harmonische bewegingen en een speler wiens solostijl steeds spaarzamer en cryptischer is geworden. Maar dit is van een vroegere tijd, toen Shorter – in de ban van zijn vriend Coltrane – zocht naar een soort razende schoonheid binnen de vormen van zijn verbazingwekkende composities. “Deluge.” “House of Jade.” “Yes or No.” “Twelve More Bars to Go.” De nummers hier zijn onvergetelijk, en Shorter’s kwartet – het is in essentie Coltrane’s, met McCoy Tyner, Elvin Jones en bassist Reggie Workman – voelt oceanisch, het voeden van rauwe energie aan de saxofonist als zijn solo’s omhoog gaan, omhoog, omhoog in een kokende spirituele beklimming. Dit is een van de beste platen van de jaren zestig – hel, van elk tijdperk. It never gets old.
Stan Getz
Sweet Rain (Verve, 1967)
Op dit voortreffelijke album staat Getz – net als Shorter op JuJu – onder Coltrane’s vleugels. Maar Getz’s temperament creëert een heel andere stemming. Zijn tenorgeluid is verbazingwekkend zuiver en fluit-achtig, licht als een veertje. Hij heeft een aura van zeldzame elegantie en klinkt als Lester Young in modale kleding. De band – met pianist Chick Corea, bassist Ron Carter en drummer Grady Tate – is perfect. Net als de songselectie, die varieert van Antonio Carlos Jobim’s “O Grande Amor” tot Corea’s “Litha” en “Windows” en Dizzy Gillespie’s “Con Alma”. In het laatste stuk wordt Getz’ solo geleidelijk warmer; zijn coda gaat dan in een paar seconden van fluisterend naar jammerend. Het is opera-achtig. Nummer na nummer versmelten de uitvoeringen helderheid en terughoudendheid met nauwelijks verholen intensiteit. Elk deuntje is als een witgloeiende kool.
Albert Ayler
In Greenwich Village (Impulse, 1967)
Aan de andere kant van het spectrum dan de heer Getz staat de heer Ayler. Dit album verzamelt een aantal van de tenorsaxofonist’s extatische anthems: “Change Has Come,” “Truth is Marching In,” “Our Prayer.” Elk is deels parade grond muziek, deels volkslied, en deels Pinkstergedruis. De optredens zijn massief, overweldigend, en, ja, vreugdevol luidruchtig, geleid door de bezwerende saxofonist en de trompettist Donald Ayler, de broer van de leider. Noem het “free jazz” of “fire music” of “the new wave” – wat het allemaal betekent is dat Ayler de jazz orthodoxie in de fik stak, net zoals de MC5 en andere punk bands op het punt stonden te doen met rock ‘n’ roll. Ayler werd bestempeld als een ketter. Maar de waarheid is dat elke noot die hij speelde putte uit dezelfde stromingen als de jazz, en in het bijzonder uit de Afro-Amerikaanse kerk. Dit album werd live opgenomen in de Village Vanguard en het Village Theatre, dat enkele jaren later een nieuwe naam kreeg: de Fillmore East.
Ornette Coleman
Science Fiction (Columbia, 1972)
Ik krijg nog steeds de rillingen, als ik naar dit album luister, en ik heb er al duizend keer naar geluisterd. Meer dan een saxofonist was Coleman een puur creatieve artiest wiens gave voor melodie en wiens diepgewortelde affiniteit voor bluesgevoel belangrijke elementen werden in een oeuvre dat uniek is in de Amerikaanse muziek. Toch, als saxofonist, is Coleman meer dan een normale grootheid. Zijn geluid is zo diep menselijk: met elke smekende noot is hij zowel oude ziel als puur kind. Zijn opnames aan het eind van de jaren 50 inspireerden een revolutie in de jazz. Science Fiction kondigde zijn tweede komst aan. Het is een bloedstollende stroom van pulserende creatieve energie en schoonheid. De synchroniciteit tussen de musici is verbluffend. Coleman verzamelde voor deze datum zijn naaste vrienden, allen meesterspelers: trompettisten Don Cherry en Bobby Bradford, saxofonist Dewey Redman, bassist Charlie Haden, drummers Ed Blackwell en Billy Higgins. Asha Puthli, uit Bombay, zingt twee van Coleman’s meest beklijvende nummers, “What Reason Could I Give” en “All My Life”. Boven een krioelende bijenkorf van geïmproviseerd geluid en het overdubde gehuil van een baby, reciteert de dichter David Henderson de woorden van het titelnummer: “Mijn… leven… behoort… tot… de …. beschaving.” Door het gezonde gebruik van studio-effecten – extreme galm en compressie – geeft dat nummer de indruk van muziek en woorden die uit een andere tijd en plaats komen. Je zou kunnen zeggen dat dit afrofuturisme was voordat de term was uitgevonden. Maar eigenlijk was het gewoon Ornette die deed wat hij altijd deed: in zijn eigen persoonlijke dimensie reiken, dan het gordijn open trekken en zijn wereld aan de rest van ons onthullen.
Anthony Braxton
New York, Fall 1974 (Arista, 1975, verkrijgbaar op The Complete Arista Recordings of Anthony Braxton, op Mosaic Records)
Braxton is de meest serieuze musicus die je ooit zult tegenkomen, en hij is een gas. Op dit album speelt hij altsaxofoon, sopraninosaxofoon, dwarsfluit, altfluit, klarinet en contrabasklarinet. Hij is een onderzoeker van geluid, een decrypter van categorie, en hij is begonnen met het componeren van marathon opera’s over kosmische thema’s die nooit worden uitgevoerd. Maar hier is hij in een New Yorkse opnamestudio in 1974, opnames makend voor een groot label, zijn jazz wortels duidelijk makend met zijn kwartet – één van de definitieve bands uit die periode – en enkele speciale gasten. Het album opent met aardse bebop als het kwartet zich vastbijt in Braxtons virtuoze puzzeltaal: post-Charlie Parker, post-Ornette Coleman, post-Eric Dolphy. Met elk nummer komt er iets anders: een fris kamermuziekstuk dat verwijst naar Stravinsky; een ontspannen intermezzo van mid-tempo swing; een hersenkrakend duet voor Braxton en synthesizer; een donker getinte compositie voor saxofoonkwartet met Braxton en drie andere vernieuwers: Oliver Lake, Julius Hemphill en Hamiet Bluiett. Het album brengt de intensiteit en rusteloosheid van die periode terug – en zijn open-eared houding, waardoor de jazz mainstream en avant-garde zich een tijdlang konden vermengen. In de decennia daarna is Braxton een soort eenmansacademie geworden. Scores van musici zijn door zijn deuren gelopen; zij zijn de vrije denkers, de gekken, degenen die de verrassingen laten blijven komen.
Branford Marsalis
Trio Jeepy (Columbia, 1989)
Marsalis ging de studio in en liet de tapes rollen voor deze date met drummer Jeff “Tain” Watts, zijn vriend en leeftijdgenoot, en bassist Milt “The Judge” Hinton, een vereerde oudere. Het is een album van nonchalante virtuositeit en uitbundige swing, met Marsalis – 28 op het moment van de opname – in Sonny Rollins mode, die de veranderingen overspoelt en het gemakkelijk laat klinken. Het trio speelt Marsalis’s eigen “Housed from Edward”, stoomt dan door “The Nearness of You”, “Three Little Words”, “Makin’ Whoopee” en Billy Strayhorn’s “U.M.M.G.” Deze laatste wordt in een snel tempo opgenomen, waarbij Hinton een groove neerlegt die bijna de show steelt. Dit album is een genot. Het is intiem, alsof het in je huiskamer is opgenomen. Het getuigt van goed gevoel en liefde voor de jazztraditie. Op verschillende afsluitende nummers springt Delbert Felix bij op bas als het trio in de “modal burnout”-stijl duikt die in de jaren daarna Marsalis’ handelsmerk zou worden.
Steve Coleman
Curves of Life (RCA/BMG, 1995)
Deze live-opname in de Hot Brass Club in Parijs vangt de altsaxofonist op een piekmoment met zijn band the Five Elements. Het is gemakkelijk om verstrikt te raken in beschrijvingen van Coleman’s complexe synthese, die zwaar leunt op bebop en funk en extracten uit de traditionele muziek van Cuba, West-Afrika en India. Vergeet dat allemaal maar. Five Elements is een band die op een dubbeltje kan draaien – denk aan James Brown – terwijl Coleman over en door de matrix van de polyritmische funk vliegt en je doet denken aan twee Parkers, Charlie en Maceo. Coleman was in de jaren tachtig de grondlegger van de beweging die bekend staat als M-Base, en zijn invloed is door de jaren heen Art Blakey-achtig geworden: Tientallen grote spelers zijn door zijn groepen gegaan en hebben zijn concepten en proces geabsorbeerd, zijn manier om een band door bliksemsnelle verschuivingen in tempo, toonsoort, dichtheid, stemming te loodsen. Al die elementen worden scherpgesteld, laser-achtig. Je kunt het horen op “Curves of Life.” De muziek brandt en het publiek reageert: schreeuwend, gillend. Het laatste nummer, “I’m Burnin’ Up (Fire Theme),” breidt de kernband uit met drie rappers en een gastsaxofonist, de titanische David Murray, die door het hele gebeuren heen brult.
Joshua Redman
The Bad Plus Joshua Redman (Nonesuch, 2015)
Een samenwerking tussen de saxofonist en het pianotrio dat bekend staat als The Bad Plus, werpt dit album een eenduidige stemming op: spookachtig, hypnotiserend en lieflijk. Redman is een denkende speler, en een aanpasbare, altijd bezig om een gegeven situatie te verheffen. Hij gebruikt het volledige bereik van de hoorn met een gelijkmatige en mooie toon hier, spint nieuwe melodieën door zijn solo’s, bouwt onmerkbaar de spanning op totdat de muziek overloopt in hoog drama en spirituele catharsis. Het gebeurt overal op deze opname, het meest in het bijzonder op “Beauty Has It Hard” (door drummer Dave King) en “Silence is the Question” (door bassist Reid Anderson). Er was iets bijzonders aan de hand toen deze muzikanten bij elkaar kwamen. Het langlopende trio veranderde in een kwartet; de vier muzikanten klinken als een werkende band. De opname staat symbool voor een trend in de hedendaagse jazz, waar samenwerking en proces vaak belangrijker zijn dan het leiderschap en de visie van één enkele speler. Dat gezegd hebbende, Redman – 46 toen dit album werd gemaakt – verdient een speciaal woord. Hij is een “naam” speler sinds zijn vroege twintiger jaren en hij blijft een hardwerkende muzikant en een risiconemer, die zijn technische vaardigheden en expressieve capaciteiten blijft uitbreiden. Dat is zeldzaam, in welk tijdperk dan ook.
Kamasi Washington
The Epic (Brainfeeder, 2015)
Tenorsaxofonist Washington zwaait met een storm-de-barricaden urgentie, Coltrane-achtig: Hij kan je vastpinnen aan de muur en je erdoorheen duwen naar de andere kant – waar je het stof van je afveegt, je hoofd krabt en zegt: “Man, ik wist niet dat deze plek bestond.” De beste momenten van The Epic zijn zo, te beginnen met “Change of the Guard,” de hymne die het startschot geeft voor deze bijna drie uur durende suite, opgebouwd rond een 10-koppige band, aangevuld met orkest en koor. In de 17 nummers hoor je Washingtons onderdompeling in de Afro-Amerikaanse kerk, in de opwaartse beweging van jaren 70 soul (Marvin Gaye, Donny Hathaway), en in de vergeestelijkte jaren 70 jazz van Alice Coltrane, McCoy Tyner, Pharoah Sanders en Billy Harper. Washington, 34 toen The Epic uitkwam, assimileert dit alles, terwijl hij het laat voelen als van het moment. Hij heeft een bekende parallelle carrière in de hiphop; hij speelt mee op Kendrick Lamar’s To Pimp A Butterfly. Het losjes samengestelde muziekcollectief dat zich in Los Angeles rond hem heeft gevormd – bekend als de West Coast Get Down – lijkt het lied van het moment in de jazz te spelen, en Washington speelt het lied van de liedjes.
Een stafschrijver bij SFJAZZ, Richard Scheinin is een levenslange journalist. Hij was de San Jose Mercury News ‘klassieke muziek en jazz criticus voor meer dan een decennium en heeft geprofileerd scores van publieke figuren, van Ike Turner naar Tony La Russa en de Dalai Lama.