Was sind die 15 besten philosophischen Lieder aller Zeiten?
1. Bob Dylan, „Like a Rolling Stone“
Es gibt wahrscheinlich hundert Songs von Bob Dylan, die es auf diese Liste geschafft hätten, aber da die erste Zeile des Refrains den Titel für mein Buch „How Does It Feel? Elvis Presley, The Beatles, Bob Dylan, and the Philosophy of Rock and Roll“ den Titel meines Buches lieferte, dachte ich, ich sollte mich an diesen offensichtlichsten aller Titel halten, den Song, der vielleicht am häufigsten als „The Greatest Song of All Time“ bezeichnet wird. Meines Erachtens verkörpert die wiederholt geklagte Zeile „How does it feel?“ die tiefste Bedeutung des Rock’n’Roll und veranschaulicht den Wandel, der sich im zwanzigsten Jahrhundert, vor allem aber in den sechziger Jahren, vollzog: weg von den restriktiven rationalen Prämissen der Moderne, in denen Dylans Mr. Jones auf ewig gefangen ist, hin zu einer Denkweise, die die Gültigkeit sowohl des kritischen Intellekts als auch des intuitiven, körperlichen Wissens anerkennt.
2. Bonnie ‚Prince‘ Billy, „Wolf Among Wolves“
In diesem Lied geht es darum, was es bedeutet, einen tierischen Körper in einer zivilisierten menschlichen Kultur zu haben, die uns etwa seit dem siebzehnten Jahrhundert durchdringend gelehrt hat, die Aufmerksamkeit für gefühlte Erfahrungen zugunsten rational konstruierter Rollen und Hierarchien zu verdrängen, die auf partiellen Annahmen über die Welt basieren. Will Oldham (alias Bonnie ‚Prince‘ Billy) scheint sich über einschränkende Geschlechterstereotypen zu beklagen und darüber nachzudenken, was es bedeutet, ein Mann zu sein, der einen überwältigenden Freiheitsdrang in einer Kultur verspürt, in der er diese Instinkte ständig verleugnen muss, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen, um seiner Partnerin „eine geschützte Höhle zu bieten, die ich noch nie gesehen habe“, und um als „Mann unter Männern“ zu gelten, eine Rolle, die seiner wahren Natur als „Wolf unter Wölfen“ nicht gerecht zu werden scheint. Dies ist eine Möglichkeit, das „Geist-Körper-Problem“ auszudrücken, den grundlegenden Konflikt im Herzen der modernen westlichen Kultur zwischen Subjekt und Objekt, Psyche und Kosmos.
3. Bob Marley and the Wailers, „Running Away“
„Running Away“ ist einer der seltsameren Songs in Bob Marleys Kanon. Er scheint den inneren Dialog von jemandem wiederzugeben, der „etwas falsch gemacht haben muss“ und der „den Ort nicht finden kann, an den du gehörst“, was sich, wie viele von Marleys Texten, auf die desillusionierten, materialistischen Annahmen des spätmodernen Westens oder „Babylon“, wie die Rastafari es nennen, zu beziehen scheint. Im Gegensatz zu dieser entfremdeten, unzufriedenen Lebensweise singen Marley und die I-Threes „who feels it knows it, Lord“, was eine Wiederverwendung des Refrains eines frühen Wailers-Songs ist (veröffentlicht 1966, also die Jahre nach „Like A Rolling Stone“). Obwohl sich Marley speziell auf die Erkenntnis bezieht, dass „jeder Mensch denkt, dass seine Last die schwerste ist“, drückt das Diktum „who feels it knows it“ ein allgemeines Verständnis dafür aus, dass gefühltes Wissen für die Auseinandersetzung mit der Welt von entscheidender Bedeutung ist. Marley zufolge unternimmt der Mann in dem Lied, der scheinbar vor einer Frau weggelaufen ist, in Wirklichkeit einen erfolglosen Versuch, vor sich selbst „wegzulaufen“, und Marley scheint anzudeuten, dass er aufhören sollte, seine körperliche Intuition zu verleugnen, eine Verleugnung, die schwere kognitive Dissonanz erzeugt.
4. Elvis Presley, „Milkcow Blues Boogie“
Dies ist einer der frühesten Songs, die Presley im Sun Studio aufgenommen hat. Der zukünftige „King“ und seine Band beginnen den Song mit einem langsamen, bluesigen Arrangement, bei dem Presley mit zitternder Stimme singt, die wie eine mittelmäßige Runderneuerung des vokalen Jazzstils klingt, der zu diesem Zeitpunkt im Jahr 1954 noch vorherrschend war. Nach ein paar Sekunden stoppt Presley die Band und intoniert: „Haltet ein, Leute. That don’t move me. Let’s get real, real gone for a change.“ Dann stößt Presley ein langgezogenes „Well“ aus, das in den energiegeladenen, sogar rasenden Rhythmus des Rock’n’Roll-Stils mündet, den diese Männer erst wenige Monate zuvor bei „That’s All Right“ erfunden hatten, und der Zuhörer befindet sich in einer anderen Welt. Dies ist der wichtigste Moment, in dem Presley den Übergang von der Orthodoxie, zu der das Jazz-Zeitalter unweigerlich geworden war (nachdem er zu Beginn des Jahrhunderts eine ähnliche Revolution wie der Rock’n’Roll verkörpert hatte), zu einer neuen Art der Erfahrungsgestaltung vollzog, die sich auf das konzentriert, was einen „bewegt“, darauf, „richtig, richtig in Fahrt zu kommen“ und die wörtliche Bedeutung von Ekstase zu verwirklichen, die darin besteht, „aus dem Stillstand heraus“ und in Bewegung zu sein. Ausgehend von diesen Aufnahmen vermittelten Presley und die anderen frühen Rock’n’Roller im kollektiven Bewusstsein eine Art des Umgangs mit Erfahrung, die sowohl radikal neu als auch archaisch war und an die ursprüngliche, fast universelle Form religiöser Aktivität, die als Schamanismus bezeichnet wird, erinnerte.
5. The Beatles, „The Word“
Das ist John Lennons einleitende Erklärung von Rubber Soul aus dem Jahr 1965 für die Philosophie, die in den folgenden Jahren einige seiner größten Songs prägen sollte, von „All You Need is Love“ und „Come Together“ bis zu „Imagine“ und „Mind Games“: dass „das Wort ‚Liebe‘ ist“. Aber mehr als diese einfache Behauptung deutet Lennons Gesang „Now that I know what I feel must be right, I’m here to show everybody the light“ darauf hin, dass „Liebe“, womit er Mitgefühl, Empathie und Fürsorge für andere zu meinen scheint, das Ergebnis einer tief empfundenen Epiphanie, einer Art Bekehrungserlebnis ist. Dass er den Zuhörer auffordert, „das Wort zu sagen, und du wirst frei sein“, deutet darauf hin, dass die Liebe zu anderen der Weg ist, sich aus der begrenzenden Enge der eigenen egozentrischen Ängste und Unsicherheiten zu befreien. Die Antwort, so scheint er zu behaupten, besteht darin, sein Leben einer Sache zu widmen, die größer ist als die eigenen Bedürfnisse und Neurosen.
6. Hank Williams, „Ramblin‘ Man“
Freiheit von Zwängen scheint ein gemeinsames Thema der größten musikalischen Philosophen des zwanzigsten Jahrhunderts zu sein, und Hank Williams, der Vater der Country-Musik, bildet hier sicherlich keine Ausnahme. In „Ramblin‘ Man“ singt er: „I can settle down and be doin‘ just fine, ‚till I hear an train rollin‘ down the line“, denn „when that open road starts to callin‘ me, there’s somethin‘ over the hill that I gotta see“. Seine Neugier und sein Entdeckungsdrang treiben ihn dazu, über das hinauszugehen, was ihm bisher begegnet ist, und dabei vielleicht auch sich selbst zu überwinden. Williams‘ Geschichte ist ein ständiges Tauziehen zwischen seiner Liebe zu einer Frau und seinem Bedürfnis nach ultimativer Befreiung. Und obwohl, wie er singt, „einige Leute vielleicht sagen, dass ich nichts tauge, dass ich mich nicht niederlassen würde, wenn ich könnte“, scheinen diese Leute versucht zu haben, den lebenswichtigen Drang nach Neuem, der die größten menschlichen Errungenschaften antreibt, zu verhindern. Hätte Williams auf die Beleidigungen dieser Zweifler gehört, hätte er vielleicht ein langes und erfolgreiches Leben gelebt, aber unsere Kultur wäre ohne seine Musik, die sicherlich von diesem Bedürfnis, über den nächsten Horizont hinauszuschauen, angetrieben wurde, ein weitaus ärmerer Ort. Schließlich sagt er: „Ich liebe dich, Baby, aber du musst verstehen, als der Herr mich schuf, schuf er einen umherziehenden Mann.“ Seine Kultur schätzte seinen Drang, seinen gespaltenen Zustand zu überwinden, der eine schizophrene moderne Mentalität widerspiegelte, nicht sonderlich, aber Hank Williams machte tapfer weiter, um das zu behaupten, was er in seinem Herzen und in seinem Körper für wahr hielt. Obwohl er, wie viele Künstler vor und nach ihm, sehr darunter litt, stehen wir für immer in seiner Schuld.“
7. Tinariwen, „Amassakoul ’n‘ Tenere“
Im Jahr 2012 gewann Tinariwen, eine Gruppe aus Nordafrika, einen Grammy Award für das beste Weltmusikalbum, nachdem sie mit Mitgliedern von Wilco und TV On The Radio zusammengearbeitet hatte. Aber täuschen Sie sich nicht: Das ist gefährlicher Rock’n’Roll, oder „Wüstenblues“, wie er oft beschrieben wird. Ibrahim Ag Alhabib von Tinariwen ist der Bob Dylan oder Bob Marley seiner Kultur, komplett mit auffallend hagerem Gesicht und wildem Haarschopf. Das Nomadenvolk der Tuareg in der Sahara-Wüste im Norden Malis betrachtet ihn als so etwas wie einen Propheten, und wenn man sich die Musik anhört, fällt es schwer, ihm zu widersprechen. Obwohl die Texte in Tuareg gesungen werden, hat die Musik eine abwechselnd erhabene und bedrohliche Tiefe, vor allem Ag Alhabibs schneidendes, minimalistisches Gitarrenspiel und seine beschwörende Gesangsphrasierung, die den Liedern eine große Bedeutung verleihen, ein Gefühl, das durch die übersetzten Worte bestätigt wird. Der Titel dieses Liedes von ihrem Album aus dem Jahr 2004 bedeutet „The Traveler in the Desert“, und Ag Alhabib singt: „In der Wüste, flach und leer, wo es nichts gibt, ist mein Kopf wach, wach“, was darauf hindeutet, dass die Beschränkungen seiner angestammten Umgebung, einer der schwierigsten auf dem Planeten, ihn zu einer Art erhöhtem Bewusstsein führen. „Diese Sorgen sind meine Freunde“, singt er, „ich bin immer mit ihnen vertraut, und daraus entstehen die Geschichten meines Lebens“. Die Kämpfe und Nöte der Wüste, so scheint er zu sagen, sind Geschenke, die ihn zwingen, etwas aus dem Nichts zu schaffen. Er erkennt, dass es die Erzählungen sind, die wir durch unsere Auseinandersetzung mit der harten Realität schaffen, die unserer Existenz einen Sinn geben.
8. Bruce Springsteen, „Growin‘ Up“
Bruce Springsteen ist wahrscheinlich derjenige Künstler, der mehr als jeder andere die Flamme des Rock and Roll durch die achtziger Jahre getragen hat. In „Growin‘ Up“ von seiner ersten Platte aus dem Jahr 1973 geht es darum, dass er Ende der sechziger Jahre ein „kosmisches Kind in voller Montur“ war, das offenbar dem Sex, den Drogen und dem Rock ’n‘ Roll frönte, die diese Ära ausmachten, als er sich „in der Wolke versteckte“ und „nicht ein einziges Mal an die Landung dachte“. Im Grunde war er sehr, sehr high, „machte monatelange Ferien in der Stratosphäre“. Allerdings, so erzählt er uns, „ist es wirklich schwer, den Atem anzuhalten“, was darauf hinzuweisen scheint, dass die tiefe Introspektion und Selbsterforschung, die insbesondere psychedelische Substanzen oft hervorrufen, eine große Herausforderung sein kann. Durch diesen spontanen therapeutischen Prozess, den Springsteen wie viele andere seiner Generation durchlief, singt er: „swear I lost everything I’d ever loved to fear“, was vielleicht darauf hindeutet, dass diese transformativen chemischen Substanzen ihn zwangen, sich seinen Ängsten zu stellen und seine Bindung an sie zu überwinden. Obwohl seine „Füße schließlich in der Erde Wurzeln schlugen“, was zu bedeuten scheint, dass er diese Erkundungsphase hinter sich gelassen hat, die eine verblüffende Ähnlichkeit mit der schamanischen Initiation aufweist, hielt er an „einem netten kleinen Platz in den Sternen“ fest, zu dem er offenbar als transzendente Quelle der Inspiration und Erneuerung zurückkehren konnte. Letztendlich, so erzählt er uns, „schwöre ich, dass ich den Schlüssel zum Universum im Motor eines alten, geparkten Autos gefunden habe“, wobei er tiefe Bedeutung und Schönheit im Alltäglichen entdeckte.
9. Elliott Smith, „Ballad of Big Nothing“
Dieser Song ist Elliott Smiths Artikulation der ultimativen existenziellen Freiheit: „Du kannst tun, was du willst, wann immer du willst“, obwohl Smith die potenziell tragische Seite dieser für den Rock’n’Roll charakteristischen Befreiung verkörperte, einer von vielen „Fieslingen“ und „Verlierern“, von Kurt Cobain über Thom Yorke bis Beck, die in den neunziger Jahren so großartige Musik machten. Smith scheint zwar erkannt zu haben, dass wir unsere eigene Realität erschaffen, wie die Postmoderne, die in diesem Jahrzehnt vielleicht am weitesten verbreitet war, aber er nahm diese konstruierte Qualität der Erfahrung als Beweis dafür, dass „es nichts bedeutet“. Andere auf dieser Liste haben jedoch dieselbe Einsicht dahingehend interpretiert, dass „Weltanschauungen Welten schaffen“, wie es der Philosoph Richard Tarnas ausdrückt, dass wir an der Erschaffung der Bedeutung der Welt beteiligt sind. Elliott Smith und Kurt Cobain waren primäre Beispiele für eine Entwicklungsphase, die die meisten von uns durchlaufen, die sich im Allgemeinen um die Adoleszenz herum abspielt, aus der die meisten von uns aber schließlich herauskommen. In gewisser Weise vermittelten sie diese Periode der angsterfüllten Rebellion in der Kultur insgesamt, die die früheren modernen Annahmen über die Natur der Realität beiseite räumte, um Raum für etwas Neues zu schaffen.
10. The Rolling Stones, „You Can’t Always Get What You Want“
Als der wohl realistischste des Sixties-Dreigestirns, das sie mit den Beatles und Dylan bilden, erkennen die Stones in diesem Song, dass das Leben immer eine Verhandlung zwischen Wunsch und Notwendigkeit ist. Wenn wir jung sind, haben viele von uns große Ambitionen, ein Rockstar oder der Präsident der Vereinigten Staaten zu werden, und, wie Mick Jagger zu erkennen scheint, ist das auch gut so. Doch nicht jeder von uns ist dazu bestimmt, eine Ikone der Weltgeschichte zu werden, obwohl das Leben uns langsam und unaufhaltsam auf neue und unerwartete Wege führt, und zwar durch die Art von alltäglichen Begegnungen, die Jagger in den Texten beschreibt, vom „Empfang“, wo „sie ihre Verbindung treffen wollte“, bis hin zum „Chelsea Drugstore“, wo „Mr. Jimmy“ „ziemlich krank“ aussah. Aber was Jagger im Refrain zu sagen scheint, ist, dass, auch wenn „man nicht immer bekommt, was man will“, dies kein Grund zur Verzweiflung ist, wie Elliott Smith es interpretierte. Vielmehr, so scheint Jagger zu sagen, sind die Realitäten des Lebens die Zwänge, innerhalb derer wir arbeiten müssen, um das zu werden, was wir werden sollen. Strebe weiter nach deinem Ziel, schlägt er vor, und das Leben wird dir „geben, was du brauchst“, um dorthin zu gelangen, wohin dich deine „letzte Ursache“ lockt, wie Aristoteles es zuerst ausdrückte. Dies ist eine Denkweise, die der reduktive Materialismus für trivial und naiv hält, aber neben hochentwickelten Philosophen wie William James, Henri Bergson, Alfred North Whitehead und Thomas Nagel haben auch einige der größten Rock’n’Roll-Sänger beschlossen, die Welt auf diese Weise zu sehen.
THE LIST: The Best Of Townes Van Zandt, The Band, Radiohead, The Rolling Stones und mehr…