15 albume de saxofon pe care ar trebui să le auziți
15 ALBUMURI DE SAXOFON
AR TREBUI SĂ LE AUZI
Decembrie 14, 2018 | by Richard Scheinin
John Coltrane A Love Supreme artwork
Pentru cea mai mare parte a unui secol, sunetul jazzului a fost inseparabil de sunetul saxofonului: urgent, tânguitor, de o expresivitate unică. Din nou și din nou, inovațiile saxofoniștilor au dus muzica mai departe: de la Lester Young la Charlie Parker, John Coltrane și mai departe.
Așa că iată-ne aici, încercând să reducem această istorie a gloriei saxofonului la o listă de 15 înregistrări. Mult noroc, nu-i așa? Ceea ce sunteți pe cale să citiți acoperă aproximativ 80 de ani de istorie a jazzului. Am încercat să includ înregistrări „esențiale”, cele pe care oricine este interesat de jazz ar trebui să le asculte. Dar, ici și colo, lista a înclinat spre preferințele personale. La urma urmei, cum poți selecta doar un singur album al lui Sonny Rollins? Câteodată trebuie să-l alegi pe cel pe care îl iubești cel mai mult.
Ceea ce este mai mult, din această listă de „esențiale” lipsesc zeci de jucători revoluționari. Acest lucru este inevitabil, dar doare să ne gândim la muzicienii care nu au fost incluși în listă. Nu există niciun Johnny Hodges pe această listă. Nici Ben Webster sau Dexter Gordon. Nici Cannonball Adderley, Joe Henderson sau Jackie McLean. Nici Roland Kirk, Pharoah Sanders sau Archie Shepp. Nici Sam Rivers sau Billy Harper. Nici Michael Brecker sau Kenny Garrett sau Joe Lovano sau Ravi Coltrane.
Într-o oarecare măsură, deci, completarea acestei liste necesită întocmirea alteia. Poate că acest lucru se va întâmpla peste câteva luni.
Dar, între timp, consultați aceste 15 piese esențiale.
Coleman Hawkins
Body and Soul (RCA, 1939, antologat pe Coleman Hawkins: Ken Burns’ Jazz, la Verve)
Ca bătrân, Hawkins – „Părintele saxofonului tenor” – va fi mentorul lui Thelonious Monk și va cânta cu avangardistul Eric Dolphy. Dar această piesă iconică este dintr-o fază mai timpurie a carierei sale, când literalmente punea saxofonul pe hartă, demonstrând că acesta nu era un instrument incomod de fanfară – nu, datorită lui Hawkins avea să devină instrumentul dominant în jazz. Această piesă a arătat calea. La fel ca și eroul său Louis Armstrong, concepția lui Hawkins a fost impunătoare și strălucitor de clară. Ascultați-i sunetul, robust și copt, în timp ce se deplasează refren după refren, decorându-și frazele cu atingeri înfloritoare, lăsând notele să se destrame, apoi îndreptându-se înapoi spre vârful muntelui. Improvizația sa se desfășoară în etape, ca o cadență uriașă. Hawkins nu numai că le arăta colegilor săi cum să cânte magnific o baladă. Mai mult decât atât, el îi învăța să construiască un solo improvizat pe instrumentul care avea să ajungă să definească însuși sunetul jazzului.
Lester Young
Indiana (Aladdin, 1942, disponibil pe The Complete Aladdin Recordings of Lester Young, la Blue Note)
Când devine respirația sunet? Acesta este misterul cu Lester Young, care își începe ultima rundă de refrene de pe această piesă cu o frază abia murmurată – doar urma unei idei, deși captează imediat atenția. Ce urmează, vă întrebați? Unde mă duce Lester? La fel ca Miles Davis, unul dintre moștenitorii săi, Young te duce spre o frumusețe strălucitoare, ascunsă în interiorul unui vârtej cețos și bluesy. Cu Young nu există niciodată prea multe note. Interpretarea lui este o esență – plutitoare, mătăsoasă, legănată. Această piesă în trio cu pianistul Nat King Cole și basistul Red Callender este o piesă insistentă. Cu toate acestea, se simte atât de relaxat încât nu știi dacă să dansezi sau pur și simplu să asculți conversația. Râde Lester? Plânge? În decursul unei fraze scurte, le poate face pe amândouă. Vocea sa a modelat o generație de jucători și continuă să inspire.
Charlie Parker
Bird of Paradise (Dial, 1947, antologat pe The Complete Savoy & Dial Master Takes, Savoy Jazz)
Ca un receptor radio, tânărul Charlie Parker – „Bird” – i-a format pe Hawkins și Young, alături de Chu Berry, Ben Webster și alți saxofoniști de geniu care lucrau în Kansas City, orașul natal al lui Parker, în anii 1930. Ce s-a întâmplat apoi și de ce? Ei bine, cum îl explicați pe J.S. Bach? Limbajul lui Parker, ca și cel al lui Bach, ar fi putut să apară dintr-o sursă universală, având în vedere logica sa internă și frumusețea sa absolută – ca să nu mai vorbim de esența sa de blues, de melodiile nebunești și de tempo-urile care se mișcă precum metroul care îl ducea pe Parker din Harlem până pe strada 52 după mutarea sa la New York. A stabilit și câteva interpretări superbe de balade, inclusiv „Bird of Paradise” (bazată pe schimbările de acorduri de la „All the Things You Are”), din înregistrările sale din 1946-47 pentru casa de discuri Dial. După ce ați trecut prin piesele sale vecine – „Dexterity”, „Bongo Bop”, „Klact-oveeseds-tene” și „Scrapple from the Apple” – vă veți fi stabilit în Bird’s World. Toate aceste melodii, apropo, prezintă formația sa de lucru din acea perioadă cu trompetistul Miles Davis și bateristul Max Roach.
Sonny Rollins
Sonny Rollins Plus 4 (Prestige, 1956)
Exuberanța, învârteala nesfârșită de idei: Rollins nu se aseamănă cu niciun alt improvizator. Acest album conține două dintre cele mai bune compoziții ale sale – „Valse Hot” și „Pent-Up House” – și îl găsește într-un spirit atât de efervescent încât nu te poți abține să nu te simți bine în timp ce îl asculți. De două ori bine, în condițiile în care albumul îl asociază cu marele trompetist Clifford Brown. Cântă ca niște suflete pereche, empatia fiind accentuată de faptul că aceasta este o trupă de lucru: Este de fapt Clifford Brown-Max Roach Quintet, din care Rollins a făcut parte. Cu toate acestea, piesă după piesă, saxofonistul comandă data. Ascultați solo-ul său de pe „Kiss and Run” – plutitor, cu un swing invincibil, melodios de inventiv și, mai presus de toate, plin de bucurie și de vitalitatea sa specială. Rollins este de neoprit, ca un râu. El încheie întâlnirea cu „Count Your Blessings”, sincer și direct, o adevărată performanță care face pielea de găină. Mulțumesc, domnule Rollins.
Eric Dolphy
Far Cry (New Jazz, 1962)
Oh, Dolphy, nimeni nu a făcut sunete ca tine: acele urlete și jale, acele răcnete fluturate și glasuri explozive. Albumele multi-reedistului virtuoz sunt pline de un brand singular de avant-bebop, sălbatic și capricios. El vă va face să vă distrați. Aici, pe melodia sa „Miss Ann”, el sună ca Charlie Parker așezat pe o diagonală: Cubist Bird, ciudat de logic și niciodată la mai mult de câțiva milimetri de blues. Și Dolphy ar putea cânta vreodată o melodie: „Left Alone” a lui (la flaut) dă fiori. „Tenderly” al său (solo, la saxofon alto) te va reduce la o băltoacă. „It’s Magic” (la clarinet bas) trebuie să fie unul dintre cele mai pline de suflet pe care le veți auzi vreodată, chiar dacă scârțâie în mijlocul interpretării sale. Dolphy a fost în egală măsură intelect, inimă și imaginație – și obsesie, pentru că a urmărit mereu în mod obsesiv adevărul său, sunetul pe care îl visa în capul său. Coltrane l-a iubit, la fel ca și Charles Mingus și Ornette Coleman, cu care Dolphy a înregistrat emblematicul „Free Jazz” în aceeași zi în care a înregistrat acest album special, „Far Cry”.”
John Coltrane
A Love Supreme (Impulse, 1965)
Un punct de reper în muzica secolului XX, discul începe cu lovitura îndrăzneață a unui gong chinezesc, reverberațiile sale limpezind aerul pentru ceea ce va urma. „A Love Supreme” este o suită care se construiește ca o slujbă religioasă și a fost descrisă de saxofonist în notele de subsol ale LP-ului ca fiind o ofrandă adusă lui Dumnezeu. Ea cristalizează sunetul Coltrane, cel al saxofonului său supernova și al cvartetului său clasic cu pianistul McCoy Tyner, basistul Jimmy Garrison și bateristul Elvin Jones. După mai bine de o jumătate de secol, albumul este încă uluitor. Ascultătorii simt că „totul era nou-nouț” pentru cei patru muzicieni în momentul înregistrării, mi-a spus saxofonistul Ravi Coltrane, fiul lui John, acum câțiva ani. „Este ca atunci când planetele se aliniază. Nu se întâmplă în fiecare zi.”
Wayne Shorter
JuJu (Blue Note, 1965)
Acum în vârstă de 85 de ani, Shorter este Yoda al jazz-ului, un maestru al mișcării armonice secrete și un interpret al cărui stil de solo a devenit din ce în ce mai economic și mai criptic. Dar acest lucru este dintr-o perioadă mai veche, când Shorter – sub vraja prietenului său Coltrane – căuta un fel de frumusețe furioasă în formele compozițiilor sale uimitoare. „Deluge”. „House of Jade”. „Da sau nu”. „Twelve More Bars to Go”. Melodiile de aici sunt de neuitat, iar cvartetul lui Shorter – este în esență cel al lui Coltrane, cu McCoy Tyner, Elvin Jones și basistul Reggie Workman – se simte oceanic, alimentându-l cu energie brută pe saxofonist, în timp ce solo-urile sale urcă, urcă, urcă, urcă într-o ascensiune spirituală clocotitoare. Acesta este unul dintre cele mai bune discuri din anii 1960 – la naiba, din orice epocă. Nu se învechește niciodată.
Stan Getz
Sweet Rain (Verve, 1967)
Acest album rafinat îl găsește pe Getz – ca și Shorter pe JuJu – sub influența lui Coltrane. Dar temperamentul lui Getz creează o stare de spirit foarte diferită. Sunetul său de tenor este uimitor de pur și ca un flaut, ușor ca o pană. Aruncând o aură de o eleganță rară, el sună ceva de genul lui Lester Young în haine modale. Formația – cu pianistul Chick Corea, basistul Ron Carter și bateristul Grady Tate – este perfectă. La fel ca și selecția de cântece, care variază de la „O Grande Amor” de Antonio Carlos Jobim, la „Litha” și „Windows” de Corea și „Con Alma” de Dizzy Gillespie. Pe aceasta din urmă, solo-ul lui Getz capătă o căldură treptată; coda sa trece apoi de la o șoaptă la un vuiet în câteva secunde. Este operatic. Piesă cu piesă, interpretările îmbină claritatea și reținerea cu o intensitate abia ascunsă. Fiecare melodie este ca un cărbune alb-încălzit.
Albert Ayler
In Greenwich Village (Impulse, 1967)
La capătul opus al spectrului față de domnul Getz se află domnul Ayler. Acest album reunește o grămadă de imnuri extatice ale saxofonistului tenor: „Change Has Come”, „Truth is Marching In”, „Our Prayer”. Fiecare este în parte muzică de paradă, în parte cântec popular și în parte tumult penticostal. Spectacolele sunt masive, copleșitoare și, da, bucuros de zgomotoase, conduse de saxofonistul implorator și de trompetistul Donald Ayler, fratele liderului. Numiți-o „free jazz” sau „muzică de foc” sau „noul val” – ceea ce înseamnă că Ayler a aprins o torță asupra ortodoxiei jazz-ului, așa cum MC5 și alte trupe punk urmau să facă cu rock ‘n’ roll-ul. Ayler a fost etichetat ca fiind un eretic. Dar adevărul este că fiecare notă pe care a cântat-o se trăgea din aceleași curente ca și jazz-ul, și în special din biserica afro-americană. Acest album a fost înregistrat live la Village Vanguard și la Village Theatre, care câțiva ani mai târziu a primit un nou nume: Fillmore East.
Ornette Coleman
Science Fiction (Columbia, 1972)
Încă mai am frisoane, ascultând acest album, și l-am ascultat de o mie de ori. Mai mult decât un saxofonist, Coleman a fost un artist creativ pur, al cărui dar pentru melodie și a cărui afinitate fundamentală pentru sentimentul de blues au devenit elemente cheie într-un corp de lucrări care este unic în muzica americană. Totuși, ca saxofonist, Coleman este dincolo de măreția normală. Sunetul său este atât de profund uman: cu fiecare notă rugătoare, el este deopotrivă suflet bătrân și copil pur. Înregistrările sale de la sfârșitul anilor ’50 au inspirat o revoluție în jazz. Science Fiction a anunțat a doua sa venire. Este un val de sânge de energie creativă și frumusețe pulsantă. Sincronicitatea de argint viu dintre muzicieni este uimitoare. Coleman și-a adunat prietenii apropiați, toți maeștri, pentru această întâlnire: trompetiștii Don Cherry și Bobby Bradford, saxofonistul Dewey Redman, basistul Charlie Haden, toboșarii Ed Blackwell și Billy Higgins. Asha Puthli, din Bombay, cântă două dintre cele mai obsedante piese ale lui Coleman, „What Reason Could I Give” și „All My Life”. Deasupra unui roi de sunete improvizate și a plânsetelor suprapuse ale unui bebeluș, poetul David Henderson recită versurile piesei de titlu: „Viața… mea… aparține… civilizației …..” Prin utilizarea sănătoasă a efectelor de studio – reverberație și compresie extreme – acea piesă dă impresia unei muzici și a unor cuvinte sosite dintr-un alt timp și dintr-un alt loc. S-ar putea spune că acesta a fost Afrofuturismul înainte ca termenul să fie inventat. Dar, de fapt, era doar Ornette care făcea ceea ce făcea întotdeauna: pătrundea în dimensiunea sa personală, apoi deschidea cortina, dezvăluindu-ne lumea sa nouă, celorlalți.
Anthony Braxton
New York, Fall 1974 (Arista, 1975, disponibil pe The Complete Arista Recordings of Anthony Braxton, la Mosaic Records)
Braxton este cel mai serios muzician pe care îl veți întâlni vreodată, și este un gaz. Pe acest album, el cântă la saxofon alto, saxofon sopranino, flaut, flaut alto, clarinet și clarinet contrabas. Este un investigator al sunetelor, un decriptor al categoriilor și a ajuns să compună opere maraton pe teme cosmice care nu sunt niciodată interpretate. Dar iată-l aici, într-un studio de înregistrări din New York, în 1974, înregistrând pentru o mare casă de discuri, făcându-și clare rădăcinile de jazz cu cvartetul său – una dintre formațiile definitive ale perioadei – și câțiva invitați speciali. Albumul se deschide cu un bebop care orbitează în jurul pământului, în timp ce cvartetul se fixează în limbajul de puzzle virtuos al lui Braxton: post-Charlie Parker, post-Ornette Coleman, post-Eric Dolphy. Cu fiecare piesă, apare ceva diferit: o piesă de cameră cu aer proaspăt care face trimitere la Stravinsky; un interludiu relaxat de swing în tempo mediu; un duet de nebunie pentru Braxton și sintetizator; o compoziție cu nuanțe întunecate pentru cvartet de saxofoane cu Braxton și alți trei inovatori: Oliver Lake, Julius Hemphill și Hamiet Bluiett. Albumul readuce în memorie intensitatea și neliniștea din acea perioadă – și atitudinea sa deschisă, care a permis ca, pentru o vreme, curentul principal de jazz și avangarda să se amestece. În deceniile care au urmat, Braxton a devenit un fel de academie a unui singur om. Zeci de muzicieni au trecut prin ușile sale; ei sunt gânditorii liberi, oamenii nebuni, cei care continuă să producă surprize.
Branford Marsalis
Trio Jeepy (Columbia, 1989)
Marsalis a intrat în studio și a lăsat casetele să ruleze pentru această întâlnire cu toboșarul Jeff „Tain” Watts, prietenul și colegul său, și cu basistul Milt „The Judge” Hinton, un bătrân venerat. Este un album de virtuozitate dezinvoltă și swing exuberant, cu Marsalis – 28 de ani la momentul înregistrării – în modul Sonny Rollins, inundând schimbările și făcându-le să pară ușoare. Trioul cântă „Housed from Edward”, creație proprie a lui Marsalis, apoi trece cu viteză prin „The Nearness of You”, „Three Little Words”, „Makin’ Whoopee” și „U.M.M.M.G.” de Billy Strayhorn. Aceasta din urmă este preluată într-un ritm rapid, cu Hinton așezând un groove care aproape că fură spectacolul. Acest album este o plăcere. Este intim, ca și cum ar fi fost înregistrat în sufrageria ta. Este o dovadă de bună dispoziție și de dragoste pentru tradiția jazzului. Pe mai multe piese de final, Delbert Felix intervine la bas în timp ce trio-ul se scufundă în stilul „modal burnout” care avea să devină marca de fabrică a lui Marsalis în anii următori.
Steve Coleman
Curves of Life (RCA/BMG, 1995)
Această înregistrare live de la Hot Brass Club din Paris îl surprinde pe saxofonistul alto într-un moment de vârf cu formația sa Five Elements. Este ușor să te lași prins în descrierile sintezei complexe a lui Coleman, care se inspiră puternic din bebop și funk și extracte din muzica tradițională din Cuba, Africa de Vest și India. Uitați de toate acestea. Five Elements este o trupă care se transformă într-o clipă – gândiți-vă la James Brown – în timp ce Coleman zboară peste și prin matricea de funk poliritmic, amintindu-vă de doi Parker, Charlie și Maceo. Fondator în anii 1980 al mișcării cunoscute sub numele de M-Base, influența lui Coleman a devenit de-a lungul anilor asemănătoare cu cea a lui Art Blakey: Zeci de mari muzicieni au trecut prin grupurile sale, absorbindu-i conceptele și procesul, modul său de a ghida o trupă prin schimbări fulgerătoare de tempo, tonalitate, densitate, dispoziție. Toate aceste elemente se concentrează, ca un laser. Puteți auzi asta pe „Curves of Life”. Muzica arde, iar publicul răspunde: strigă, țipă. Ultima piesă, „I’m Burnin’ Up (Fire Theme)”, mărește trupa de bază cu trei rapperi și cu un saxofonist invitat, titanicul David Murray, care răcnește pe parcursul procedurii.
Joshua Redman
The Bad Plus Joshua Redman (Nonesuch, 2015)
O colaborare între saxofonist și trio-ul de piane cunoscut sub numele de The Bad Plus, acest album aruncă o stare de spirit unitară: obsedantă, hipnotică și încântătoare. Redman este un cântăreț care gândește și se adaptează, lucrând mereu pentru a înălța o anumită situație. Aici, el lucrează întreaga gamă a cornului cu o tonalitate uniformă și frumoasă, învârtind noi melodii prin solo-urile sale, construind imperceptibil tensiunea până când muzica se revarsă în mare dramatism și catharsis spiritual. Acest lucru se întâmplă pe tot parcursul acestei înregistrări, mai ales pe „Beauty Has It Hard” (de către bateristul Dave King) și „Silence is the Question” (de către basistul Reid Anderson). Ceva special se întâmpla atunci când acești muzicieni s-au reunit. Trio-ul de lungă durată s-a transformat într-un cvartet; cei patru muzicieni sună ca o trupă de lucru. Înregistrarea emblematizează o tendință în jazz-ul de astăzi, în care colaborarea și procesul au adesea întâietate față de conducerea și viziunea unui singur jucător. Acestea fiind spuse, Redman – 46 de ani când a fost realizat acest album – merită un cuvânt special. Un cântăreț „cu nume” încă de la începutul vârstei de 20 de ani, el rămâne un muzician harnic și care își asumă riscuri, unul care continuă să își extindă abilitățile tehnice și expresive. Acest lucru este rar, în orice epocă.
Kamasi Washington
The Epic (Brainfeeder, 2015)
Saxofonistul tenor Washington branduiește o urgență de tip „storm-the-barricades”, asemenea lui Coltrane: El poate să te fixeze de perete și să te împingă pe partea cealaltă – unde te ștergi de praf, te scarpini în cap și spui: „Omule, nu știam că acest loc există”. Cele mai bune momente din The Epic sunt de acest gen, începând cu „Change of the Guard”, imnul care dă startul acestei suite de aproape trei ore, pe trei discuri, construită în jurul unei formații de 10 piese, completată de orchestră și cor. De-a lungul celor 17 melodii, se aude imersiunea lui Washington în biserica afro-americană, în mersul înainte și înapoi al soul-ului anilor ’70 (Marvin Gaye, Donny Hathaway) și în jazzul spiritualizat al anilor ’70 al lui Alice Coltrane, McCoy Tyner, Pharoah Sanders și Billy Harper. Washington, în vârstă de 34 de ani când a fost lansat The Epic, asimilează toate acestea, făcându-le în același timp să se simtă de actualitate. El are o carieră paralelă bine cunoscută în hip-hop; cântă pe piesa To Pimp A Butterfly a lui Kendrick Lamar. Colectivul muzical lejer care s-a coagulat în jurul lui în Los Angeles – cunoscut sub numele de West Coast Get Down – pare să cânte cântecul momentului în jazz, iar Washington cântă cântecul cântecelor.
Scriitor la SFJAZZ, Richard Scheinin este jurnalist de o viață. El a fost critic de muzică clasică și jazz la San Jose Mercury News timp de mai bine de un deceniu și a făcut profilul a zeci de personalități publice, de la Ike Turner la Tony La Russa și Dalai Lama.
.