Ask MetaFilter
Iată, pe scurt, ideea de bază. Anumite modele și combinații de note sună bine împreună sau produc anumite efecte – noi le numim scări și acorduri. Anumite combinații de scări și anumite combinații de acorduri sună mai bine decât altele — numim aceasta armonie. De exemplu, combinați anumite acorduri împreună și veți obține o muzică care sună trist – vom numi aceasta armonie minoră. Și dacă combinați anumite alte acorduri împreună, veți obține o muzică care sună oarecum veselă — o vom numi armonie majoră.
Cercetați un pic mai mult și veți descoperi că puteți face o serie de armonii diferite care toate sună „minor” într-un mod similar, doar că le cântați mai sus sau mai jos pe claviatură. Așa că le dați nume diferite pentru a le distinge, în funcție de locul în care se află pe claviatură. Pe aceasta de aici de sus o voi numi „Si minor”, iar pe aceasta de aici de jos o voi numi „Re minor”.
Știu că această vorbărie pare incredibil de condescendentă, dar asta este tot ce trebuie să spun. În același timp, îmi dau seama că, în mod izolat, fără exemple, conceptele pe care le-am descris mai sus pot fi destul de greu de înțeles și de raportat la „muzica reală”, și nu răspunde cu adevărat la toate întrebările dumneavoastră. Așa că acum veți privi cu toții îngroziți cum divaghez timp de cinci ore despre muzică, pentru a încerca să vă dau o idee despre ce înseamnă „cheia” pentru un muzician.
În primul rând, trebuie să vă dați seama că, dacă scrieți într-o anumită cheie, nu există reguli scrise undeva care să spună: „nu mai puțin de 80% din notele dvs. trebuie să fie luate din cheia de acasă”, și „nu puteți folosi alte acorduri decât cele construite din cheia dvs.”, etc.. Cu siguranță, dacă încerci să scrii într-un anumit stil, atunci s-ar putea să constați că muzica ta respectă astfel de reguli. Dar acest lucru se datorează faptului că stilul/perioada muzicală dictează convenții cu privire la ce armonii sunt acceptabile și care nu sunt, ce acorduri sunt dumnezeiești și care sunt lascive, și așa mai departe. Conceptul de „cheie” apare din interacțiunea complexă de note și acorduri și armonie, nu invers.
Să spunem că scriu un cântec blues foarte simplu. Dacă vă cunoașteți blues-ul de douăsprezece măsuri, veți ști că sună ceva de genul
C C C C C C F F C C C G F C C C
(unde fiecare literă corespunde unei măsuri muzicale, iar „C” înseamnă „acord de Do major”, etc.). Acum, pot lua exact acea piesă muzicală și o pot ‘transpune’ într-o tonalitate diferită, să zicem, A:
A A A A A D D A A A A E D A A A.
Ce face ca prima piesă muzicală să fie ‘în cheia de Do major’, iar a doua piesă muzicală să fie ‘în cheia de La major’? Cum ați putea face diferența între ele dacă le-ați asculta?
Păi, primul lucru care trebuie observat este că, în ambele piese, există un acord pe care îmi petrec cea mai mare parte a timpului. În prima piesă, este Do major, iar în cea de-a doua piesă este La major. Într-un sens foarte real, acesta este acordul „principal” al piesei. Uneori, doar acest lucru poate fi un bun indicator pentru a afla în ce tonalitate se află o piesă – în special pentru forme precum blues, country și pop.
Un alt lucru, mai subtil de observat, este că există un aranjament foarte specific de acorduri așezate în jurul acordului de bază. În primul caz, începem pe Do, și urcăm până la Fa, și până la Sol. Dacă numim Do numărul „unu”, și numărăm pe claviatură, puteți vedea că folosim acordurile „unu”, „patru” și „cinci”.
Acum faceți același lucru cu a doua piesă. Începem de la A și mergem până la D, apoi până la E. Dacă acum numim A numărul ‘unu’, atunci D se dovedește a fi numărul ‘patru’, iar E este numărul ‘cinci’. Este exact aceeași relație.
De fapt, în marea majoritate a muzicii occidentale, aceste acorduri, I, IV și V sunt cele mai des folosite, pur și simplu pentru că sunt cele care sună bine atunci când sunt cântate unul după altul. Când creierul tău aude această relație de acorduri, chiar dacă nu-ți dai seama în mod conștient, va fi capabil să identifice care acord este numărul I, cheia „acasă”.
Este ca și cum aș desena o săgeată pe o bucată de hârtie și te-aș ruga să identifici punctul vârfului de săgeată. Indiferent în ce direcție întorc bucata de hârtie, vei fi capabil să găsești punctul, pentru că creierul tău înțelege relația dintre liniile de pe hârtie, chiar dacă o întorc cu susul în jos, o lipesc de tavan, sau orice altceva. La fel se întâmplă și cu armonia și cheile diferite.
Așa că, pentru a răspunde la întrebarea ta despre cum poate prietenul tău să identifice o piesă muzicală ca fiind în „Mi major”, el folosește de fapt două trucuri. Primul este că, la fel ca majoritatea dintre noi, el poate identifica ‘nota de acasă’. În al doilea rând, prietenul tău este înzestrat cu „intonație perfectă”, care este abilitatea de a auzi o notă și de a identifica la ce literă (Do, Si bemol, Mi) corespunde acea notă. Acesta este cu adevărat un dar, iar majoritatea oamenilor nu pot face acest lucru, dar partea esențială este că el identifică „nota de acasă” a piesei, iar acesta este un lucru intuitiv pe care majoritatea oamenilor îl pot gestiona destul de bine.
Poate că tu crezi că nu poți face acest lucru. Ei bine, puneți o piesă de muzică simplă, puneți-o pe pauză la jumătatea ei și spuneți-vă doar să „fredonați nota principală”. S-ar putea să fiți surprins de cât de ușor își alege creierul o notă pe care să o fredoneze. Cel puțin, de obicei vă puteți da seama dacă piesa sună „complet” și se poate opri acolo (chiar dacă continuă în viața reală), sau dacă sună „întrerupt” și trebuie să continue pentru a merge în altă parte.
Încercați aceste exemple editate în grabă (MP3). În fiecare caz, decideți dacă ultimul acord/nota pe care îl auziți este acordul/nota de acasă, sau dacă este un alt acord/nota. Răspunsurile în partea de jos a postării.
1. Jupiter
2. Violoncel
3. Fortuna
4. Thrill
Ok, deci cum se aplică toată această chestie emoționantă de „a auzi nota de origine” la teoria muzicală reală, dură?
Căutați o sonată pentru pian de Mozart care este „în Fa major”. Dacă vă uitați la începutul muzicii, veți vedea că ‘semnătura de tonalitate’ constă într-un singur si bemol. Acel si bemol este un semnal că muzica este ‘în cheia de Fa major’. Dar ce înseamnă asta?
Ei bine, de fapt, semnăturile de tonalitate sunt doar un dispozitiv de notație. Când Mozart se așează să scrie o piesă ‘în Fa major’, va constata că aproape toți si-urile pe care le va nota vor fi si bemoli, nu si-naturali (sau si-sarpe!). Semnătura de cheie este doar o modalitate de a evita să fie nevoit să scrie toate aceste simboluri ‘bemol’. Într-adevăr, aș putea rescrie piesa într-o cu totul altă tonalitate pe care tocmai am inventat-o (să zicem, un sol diez și un re bemol) și, deși ar trebui să pun accidentale peste tot și ar fi incredibil de ciudat de citit, muzica propriu-zisă – notele care se cântă – nu se va fi schimbat. Dacă o redați, va suna în continuare „în Fa major”.
Așadar, semnătura de cheie ne poate da un indiciu despre care este „cheia” unei piese, dar cu siguranță nu este sfârșitul poveștii. Cu toate acestea, ne oferă un indiciu util cu privire la modul în care putem descifra ‘cheia’ unei piese. Se pare că are legătură cu frecvența cu care se folosesc anumite note.
De exemplu, într-o piesă simplă în Fa major, notele (Fa Sol La Si bemol Do Re Mi) vor fi folosite mult mai des decât orice alte note. Și la fel pentru orice altă tonalitate – dacă vedeți foarte mult o anumită gamă într-o piesă, atunci acea piesă este probabil scrisă în acea gamă!
De aceea, chiar și o linie solistică de vioară sau violoncel poate avea un puternic simț al tonalității, și chiar un puternic simț al armoniei și al progresiilor de acorduri. Bach, în special, a fost un maestru în a crea linii muzicale care sugerează acorduri foarte particulare, chiar dacă aceste acorduri nu sunt interpretate în mod specific de un instrument anume. Ascultați această mostră din Concertul dublu pentru vioară în re minor și observați cum, chiar dacă toate instrumentele cântă melodii proprii, independente și foarte complexe, există un sentiment incredibil de puternic de armonie, direcție și schimbări de acorduri.
Bach reușește acest lucru deoarece stilul său de muzică respectă destul de rigid „regulile” cu privire la ce note sunt permise într-o anumită tonalitate și ce acorduri pot urma alte acorduri. (El nu folosește alte accidentale decât dacă a modulat în mod specific într-o tonalitate diferită pentru o secțiune a piesei, caz în care folosește accidentale pentru a nota noua tonalitate în care se află. Practic, el își termină întotdeauna piesele pe tonică. Acordurile sale sunt asamblate doar din note din scara tonalității). Din acest motiv, creierul tău poate deduce foarte clar ce tonalitate și ce acorduri intenționează Bach, chiar dacă notele în sine sunt trecătoare.
Pe măsură ce avansezi în epoca romantică, cu compozitori precum Brahms și Chopin, muzicienii începeau să exploreze posibilitățile sunetelor disonante și ale armoniilor cromatice complexe, glisante. (Ei vor folosi accidentalități aleatorii pentru a crea efectul de a aluneca fugitiv într-o altă tonalitate pentru scurt timp. Ei nu vor rămâne neapărat în aceeași tonalitate de bază pentru întreaga piesă și, uneori, vor începe și vor încheia o piesă în tonalități diferite). Acest eșantion dintr-o sonată pentru vioară de Brahms, de exemplu, alunecă prin câteva tonalități într-un interval scurt de timp și conține mai multe progresii de acorduri surprinzătoare. Dar conceptul de „cheie de origine” este încă foarte evident, chiar dacă „cheia de origine” curentă se schimbă la fiecare câteva secunde! Ascultați în special finalul eșantionului, unde câteva acorduri foarte clare, bine alese, ne readuc înapoi la cheia de acasă inițială.
Se pare că conceptul de cheie de acasă este crucial pentru ca urechea să poată înțelege o piesă muzicală ca fiind diferită de o secvență de note aleatorii. Acesta este motivul pentru care a dăinuit și pentru care ideile de scală și note de origine se regăsesc în majoritatea muzicilor indigene. În ciuda eforturilor compozitorilor experimentali din secolul al XX-lea, care au încercat în diferite momente să scrie muzică fără a depinde de o anumită cheie sau structură de acorduri („serialism” sau „muzică în 12 tonuri”), nu ne-au făcut să renunțăm la nevoia de a avea o cheie de origine pe care să ne bazăm. Într-adevăr, unii compozitori încă mai folosesc aceste tehnici, dar de obicei doar ca efect artistic, creând sunete disonante și derutante (de exemplu, Coloana infinită de Ligeti, de o dificultate nebănuită, dar captivantă, de Ligeti).
Am dat cu siguranță un răspuns definitiv la ceea ce este o cheie. Nu sunt sigur că există cu adevărat unul care să fie aplicabil în toate circumstanțele. Dar sper că, trăncănind o vreme, am dat destule exemple de utilizare (și utilizare greșită!) a cheii pentru a vă da o mai bună înțelegere a ceea ce înseamnă să ai o cheie.
Ou doar v-am încurcat și mai mult.
Răspunsuri.
1. Melodia se termină pe nota de acasă. (Preluat din „Jupiter” din „The Planets” de Holst. Interpretată de Orchestre Symphonique de Montréal sub bagheta lui Charles Dutoit.)
2. Violoncelul se termină pe nota a patra augmentată a gamei interne! (Preluat din Suita pentru violoncel solo nr. 1 în Sol major de Bach. Interpretată de un violoncelist fără nume pe coloana sonoră a filmului Neon Genesis Evangelion.)
3. Deși muzica se termină pe un acord triumfător și există o pauză mare după el, acordul final este de fapt acordul V, dând senzația de a vrea să cadă înainte pe următorul segment de muzică. (Preluat din „O Fortuna” din „Carmina Burana” de Carl Orff. Interpretată de Corul și Orchestra Salzburg Mozarteum sub bagheta lui Kurt Prestel.)
4. Ultimul acord pe care îl auziți este începutul următorului ciclu de 12 măsuri și este, într-adevăr, acordul de acasă. (Preluat din piesa „The Thrill is Gone”, interpretată de B.B. King.)
postat de chrismear la 3:23 AM pe 11 aprilie 2004
.