15 Álbumes de saxofón que deberías escuchar
15 ÁLBUMES DE SAXOFÓN
QUE DEBERÍAS OÍR
Del 14 de diciembre, 2018 |por Richard Scheinin
Obra de arte de John Coltrane A Love Supreme
Durante la mayor parte de un siglo, el sonido del jazz ha sido inseparable del sonido del saxofón: urgente, ululante, singularmente expresivo. Una y otra vez, las innovaciones de los saxofonistas han hecho avanzar la música: desde Lester Young hasta Charlie Parker, John Coltrane y más allá.
Así que aquí estamos, intentando resumir esta historia de gloria del saxofón en una lista de 15 grabaciones. Buena suerte, ¿verdad? Lo que van a leer abarca unos 80 años de historia del jazz. He intentado incluir las grabaciones «esenciales», las que cualquier persona interesada en el jazz debería escuchar. Pero aquí y allá, la lista se ha inclinado hacia los favoritos personales. Después de todo, ¿cómo se puede seleccionar sólo un álbum de Sonny Rollins? A veces hay que decantarse por el que más te gusta.
Además, en esta lista de «esenciales» faltan decenas de músicos rompedores. Es inevitable, pero duele pensar en los músicos que no pasaron el corte. No hay ningún Johnny Hodges en esta lista. Ni Ben Webster ni Dexter Gordon. Ni Cannonball Adderley, ni Joe Henderson, ni Jackie McLean. Ni Roland Kirk ni Pharoah Sanders ni Archie Shepp. Ni Sam Rivers ni Billy Harper. Ni Michael Brecker, ni Kenny Garrett, ni Joe Lovano, ni Ravi Coltrane.
Hasta cierto punto, pues, la finalización de esta lista requiere la elaboración de otra. Tal vez eso ocurra dentro de unos meses.
Pero mientras tanto, echa un vistazo a estos 15 imprescindibles.
Coleman Hawkins
Body and Soul (RCA, 1939, antologado en Coleman Hawkins: Ken Burns’ Jazz, en Verve)
Como anciano, Hawkins – «Padre del saxo tenor»- sería mentor de Thelonious Monk y tocaría con el vanguardista Eric Dolphy. Pero este tema icónico es de una fase anterior de su carrera, cuando literalmente estaba poniendo el saxofón en el mapa, demostrando que no era un instrumento torpe de banda de música – no, gracias a Hawkins se convertiría en el instrumento dominante en el jazz. Este tema mostró el camino. Al igual que su héroe Louis Armstrong, la concepción de Hawkins era dominante y brillantemente clara. Escuchen su sonido, musculoso y maduro, mientras se mueve a través de un estribillo tras otro, decorando sus frases con toques floridos, dejando que las notas se deslicen, para luego volver a la cima de la montaña. Su improvisación se desarrolla por etapas, como una gigantesca cadencia. Hawkins no sólo estaba mostrando a sus compañeros cómo tocar una balada magníficamente. Más básicamente, les estaba enseñando a construir un solo improvisado en el instrumento que llegaría a definir el sonido mismo del jazz.
Lester Young
Indiana (Aladdin, 1942, disponible en The Complete Aladdin Recordings of Lester Young, en Blue Note)
¿Cuándo se convierte el aliento en sonido? Ése es el misterio con Lester Young, que comienza su ronda final de coros en este tema con una frase apenas murmurada, apenas el rastro de una idea, aunque capta inmediatamente la atención. ¿Qué es lo siguiente, te preguntas? ¿A dónde me lleva Lester? Al igual que Miles Davis, uno de sus herederos, Young te lleva hacia una belleza brillante, escondida dentro de un remolino nebuloso y azulado. Nunca hay demasiadas notas con Young. Su forma de tocar es una esencia: flotante, sedosa, oscilante. Este tema en trío con el pianista Nat King Cole y el bajista Red Callender es un insistente golpe de pedal. Sin embargo, se siente tan relajado que uno no sabe si bailar o simplemente escuchar la conversación. ¿Se ríe Lester? ¿Está llorando? En una frase corta, puede hacer ambas cosas. Su voz dio forma a una generación de jugadores y sigue inspirando.
Charlie Parker
Bird of Paradise (Dial, 1947, antologado en The Complete Savoy & Dial Master Takes, Savoy Jazz)
Como un receptor de radio, el joven Charlie Parker – «Bird»- marcó a Hawkins y Young, junto con Chu Berry, Ben Webster y otros saxofonistas geniales que trabajaban en Kansas City, la ciudad natal de Parker, durante la década de 1930. ¿Qué pasó después, y por qué? ¿Cómo se explica J.S. Bach? El lenguaje de Parker, al igual que el de Bach, podría haber surgido de alguna fuente universal, dada su lógica interna y su belleza absoluta, por no hablar de su esencia de blues, sus melodías locas y sus tempos que se mueven como el metro que llevó a Parker de Harlem a la calle 52 tras su traslado a Nueva York. También ha interpretado algunas magníficas baladas, como «Bird of Paradise» (basada en los cambios de acordes de «All the Things You Are»), de sus grabaciones de 1946-47 para el sello Dial. Después de pasar por sus temas vecinos – «Dexterity», «Bongo Bop», «Klact-oveeseds-tene» y «Scrapple from the Apple»- habrás establecido tu pie en el mundo de Bird. Todas esas melodías, por cierto, cuentan con su banda de trabajo de la época con el trompetista Miles Davis y el baterista Max Roach.
Sonny Rollins
Sonny Rollins Plus 4 (Prestige, 1956)
La exuberancia, el interminable giro de las ideas: Rollins es como ningún otro improvisador. Este álbum contiene dos de sus mejores composiciones – «Valse Hot» y «Pent-Up House» – y lo encuentra con un espíritu tan ebrio que no puede evitar sentirse bien mientras lo escucha. Doblemente bueno, ya que el álbum lo empareja con el gran trompetista Clifford Brown. Tocan como almas gemelas, y la empatía se acentúa por el hecho de que se trata de una banda de trabajo: En realidad es el Clifford Brown-Max Roach Quintet, del que Rollins fue miembro. Sin embargo, tema tras tema, el saxofonista manda en la cita. Escuche su solo en «Kiss and Run»: boyante, invenciblemente oscilante, melodiosamente inventivo y, sobre todo, lleno de alegría y su especial marca de vitalidad. Rollins es imparable, como un río. Completa la cita con «Count Your Blessings», sentida y directa, una actuación que pone la piel de gallina. Gracias, Sr. Rollins.
Eric Dolphy
Far Cry (New Jazz, 1962)
Oh, Dolphy, nadie hacía sonidos como tú: esos gorjeos y lamentos, esos arrullos agitados y carcajadas explosivas. Los álbumes del virtuoso multireedista están llenos de una marca singular de avant-bebop, salvaje y caprichosa. Le hará partirse de risa. Aquí, en su tema «Miss Ann», suena como Charlie Parker en diagonal: Un pájaro cubista, extrañamente lógico y nunca a más de unos milímetros del blues. Y es que Dolphy nunca pudo tocar una melodía: Su «Left Alone» (a la flauta) produce escalofríos. Su «Tenderly» (solo, en saxo alto) te reducirá a un charco. Su «It’s Magic» (con el clarinete bajo) tiene que ser una de las cosas más conmovedoras que jamás hayas escuchado, aunque chirría en medio de su interpretación. Dolphy era a partes iguales intelecto, corazón e imaginación, y obsesión, ya que siempre perseguía obsesivamente su verdad, el sonido que soñaba dentro de su cabeza. Coltrane le adoraba, al igual que Charles Mingus y Ornette Coleman, con quien Dolphy grabó el icónico «Free Jazz» el mismo día que grabó este álbum especial, «Far Cry.»
John Coltrane
A Love Supreme (Impulse, 1965)
Un hito en la música del siglo XX, el disco comienza con el audaz golpe de un gong chino, sus reverberaciones despejan el aire para lo que viene. «A Love Supreme» es una suite que se construye como un servicio religioso, y fue descrita por el saxofonista en las notas del LP como una ofrenda a Dios. Cristaliza el sonido de Coltrane, el de su saxofón supernova y el de su cuarteto clásico con el pianista McCoy Tyner, el bajista Jimmy Garrison y el baterista Elvin Jones. Después de más de medio siglo, el álbum sigue siendo impresionante. Los oyentes perciben que «todo era nuevo» para los cuatro músicos en la época de la grabación, según me dijo hace unos años el saxofonista Ravi Coltrane, hijo de John. «Es como cuando los planetas se alinean. No ocurre todos los días».
Wayne Shorter
JuJu (Blue Note, 1965)
Ahora, con 85 años, Shorter es el Yoda del jazz, un maestro del movimiento armónico secreto y un intérprete cuyo estilo de solista se ha vuelto cada vez más económico y críptico. Pero esto es de una época anterior, cuando Shorter -bajo el hechizo de su amigo Coltrane- buscaba una especie de belleza rabiosa dentro de las formas de sus sorprendentes composiciones. «Deluge». «House of Jade». «Yes or No». «Twelve More Bars to Go». Las melodías aquí son inolvidables, y el cuarteto de Shorter -esencialmente el de Coltrane, con McCoy Tyner, Elvin Jones y el bajista Reggie Workman- se siente oceánico, alimentando de energía cruda al saxofonista mientras sus solos se mueven hacia arriba, hacia arriba, hacia arriba en un hirviente ascenso espiritual. Este es uno de los mejores discos de la década de 1960 – diablos, de cualquier época. Nunca pasa de moda.
Stan Getz
Sweet Rain (Verve, 1967)
Este exquisito álbum encuentra a Getz -como Shorter en JuJu- bajo la influencia de Coltrane. Pero el temperamento de Getz crea un ambiente muy diferente. Su sonido de tenor es sorprendentemente puro y aflautado, ligero como una pluma. Con un aura de rara elegancia, suena algo así como Lester Young con ropa modal. La banda -con el pianista Chick Corea, el bajista Ron Carter y el baterista Grady Tate- es perfecta. Al igual que la selección de canciones, que va desde «O Grande Amor» de Antonio Carlos Jobim a «Litha» y «Windows» de Corea y «Con Alma» de Dizzy Gillespie. En esta última, el solo de Getz adquiere un calor gradual; su coda pasa de un susurro a un lamento en cuestión de segundos. Es operístico. Pista a pista, las interpretaciones combinan claridad y contención con una intensidad apenas disimulada. Cada tema es como un carbón al rojo vivo.
Albert Ayler
En Greenwich Village (Impulse, 1967)
En el extremo opuesto del espectro del Sr. Getz está el Sr. Ayler. Este álbum reúne un montón de himnos extáticos del saxofonista tenor: «Change Has Come», «Truth is Marching In», «Our Prayer». Cada uno de ellos es en parte música de desfile, en parte canción folclórica y en parte tumulto pentecostal. Las interpretaciones son masivas, abrumadoras y, sí, alegremente estruendosas, dirigidas por el implorante saxofonista y el trompetista Donald Ayler, hermano del líder. Llámenlo «free jazz» o «música de fuego» o «la nueva ola»: lo que todo esto significa es que Ayler estaba poniendo una antorcha a la ortodoxia del jazz, de la misma manera que los MC5 y otras bandas punk estaban a punto de hacerlo con el rock ‘n’ roll. Ayler fue tachado de hereje. Pero lo cierto es que cada nota que tocaba bebía de las mismas corrientes que el jazz, y en particular de la iglesia afroamericana. Este álbum se grabó en directo en el Village Vanguard y en el Village Theatre, que varios años después recibió un nuevo nombre: el Fillmore East.
Ornette Coleman
Science Fiction (Columbia, 1972)
Aún me dan escalofríos, escuchando este álbum, y lo he escuchado mil veces. Más que un saxofonista, Coleman fue un artista creativo puro cuyo don para la melodía y cuya afinidad con el sentimiento del blues se convirtieron en elementos clave de una obra única en la música estadounidense. Sin embargo, como saxofonista, Coleman está más allá de la grandeza normal. Su sonido es profundamente humano: con cada nota suplicante, es a la vez alma vieja y niño puro. Sus grabaciones de finales de los 50 inspiraron una revolución en el jazz. Science Fiction anunció su segunda venida. Es un torrente de energía creativa y belleza palpitante. La sincronización entre los músicos es asombrosa. Coleman reunió a sus amigos más cercanos, todos ellos maestros, para la cita: los trompetistas Don Cherry y Bobby Bradford, el saxofonista Dewey Redman, el bajista Charlie Haden, los bateristas Ed Blackwell y Billy Higgins. Asha Puthli, de Bombay, canta dos de las canciones más inquietantes de Coleman, «What Reason Could I Give» y «All My Life». Por encima de un enjambre de sonidos improvisados y de los llantos sobregrabados de un bebé, el poeta David Henderson recita la letra del tema principal: «Mi… vida… pertenece… a …. civilización». Gracias al saludable uso de efectos de estudio -reverberación y compresión extremas-, esa pista da la impresión de que la música y las palabras llegan desde otro tiempo y lugar. Se podría decir que esto era afrofuturismo antes de que se inventara el término. Pero en realidad, sólo era Ornette haciendo lo que siempre hacía: llegar a su propia dimensión personal, y luego abrir la cortina, revelando su mundo al resto de nosotros.
Anthony Braxton
Nueva York, otoño de 1974 (Arista, 1975, disponible en The Complete Arista Recordings of Anthony Braxton, en Mosaic Records)
Braxton es el músico más serio que se pueda encontrar, y es un gas. En este álbum, toca el saxofón alto, el saxofón sopranino, la flauta, la flauta alta, el clarinete y el clarinete contrabajo. Es un investigador del sonido, un detractor de la categoría, y ha llegado a componer óperas maratonianas sobre temas cósmicos que nunca se representan. Pero aquí está en un estudio de grabación neoyorquino en 1974, grabando para un gran sello, dejando claras sus raíces jazzísticas con su cuarteto -una de las bandas definitivas de la época- y algunos invitados especiales. El álbum se abre con un bebop de órbita terrestre, mientras el cuarteto se encierra en el virtuoso lenguaje de rompecabezas de Braxton: post-Charlie Parker, post-Ornette Coleman, post-Eric Dolphy. Con cada pista, viene algo diferente: una pieza de cámara recién estrenada que hace referencia a Stravinsky; un interludio relajado de swing a medio tiempo; un dúo de cerebro para Braxton y sintetizador; una composición de tonos oscuros para cuarteto de saxofones en la que participan Braxton y otros tres innovadores: Oliver Lake, Julius Hemphill y Hamiet Bluiett. El álbum recupera la intensidad y la inquietud de la época, así como su actitud abierta, que permitió que la corriente principal del jazz y la vanguardia se mezclaran durante un tiempo. En las décadas posteriores, Braxton se ha convertido en una especie de academia unipersonal. Por sus puertas han pasado decenas de músicos; ellos son los librepensadores, los locos, los que mantienen las sorpresas.
Branford Marsalis
Trio Jeepy (Columbia, 1989)
Marsalis se metió en el estudio y dejó rodar las cintas para esta cita con el batería Jeff «Tain» Watts, su amigo y compañero, y el bajista Milt «The Judge» Hinton, un venerado anciano. Es un álbum de virtuosismo desenfadado y swing exuberante, con Marsalis -28 años en el momento de la grabación- en modo Sonny Rollins, inundando los cambios y haciendo que suene fácil. El trío toca «Housed from Edward», del propio Marsalis, y luego pasa a toda velocidad por «The Nearness of You», «Three Little Words», «Makin’ Whoopee» y «U.M.M.G.» de Billy Strayhorn. Este último tema se interpreta a gran velocidad, con Hinton marcando un ritmo que casi roba el espectáculo. Este álbum es un placer. Es íntimo, como si se hubiera grabado en el salón de casa. Desprende buen rollo y amor por la tradición del jazz. En varios temas finales, Delbert Felix interviene en el bajo mientras el trío se sumerge en el estilo «modal burnout» que se convertiría en la marca de Marsalis en los años venideros.
Steve Coleman
Curves of Life (RCA/BMG, 1995)
Esta grabación en directo en el Hot Brass Club de París capta al saxofonista alto en un momento álgido con su banda los Five Elements. Es fácil dejarse llevar por las descripciones de la compleja síntesis de Coleman, que se nutre en gran medida del bebop y el funk y de extractos de la música tradicional de Cuba, África Occidental y la India. Olvídense de todo eso. Five Elements es una banda que gira en una moneda de diez centavos – piense en James Brown – mientras Coleman vuela por encima y a través de la matriz del funk polirítmico, recordando a dos Parkers, Charlie y Maceo. Fundador en los años 80 del movimiento conocido como M-Base, la influencia de Coleman se ha convertido en la de Art Blakey a lo largo de los años: Docenas de grandes músicos han pasado por sus grupos, absorbiendo sus conceptos y su proceso, su forma de guiar a una banda a través de rápidos cambios de tempo, clave, densidad, estado de ánimo. Todos esos elementos se concentran, como un láser. Puedes escucharlo en «Curves of Life». La música arde y el público responde: gritando, chillando. El tema final, «I’m Burnin’ Up (Fire Theme)», aumenta la banda principal con tres raperos y un saxofonista invitado, el titánico David Murray, que ruge a través de los procedimientos.
Joshua Redman
The Bad Plus Joshua Redman (Nonesuch, 2015)
Una colaboración entre el saxofonista y el trío de piano conocido como The Bad Plus, este álbum arroja un estado de ánimo unificado: inquietante, hipnótico y encantador. Redman es un músico pensante y adaptable, que siempre trabaja para elevar una situación determinada. Trabaja toda la gama de la trompa con un tono uniforme y bello, hilando nuevas melodías a través de sus solos, construyendo imperceptiblemente la tensión hasta que la música se desborda hacia el alto drama y la catarsis espiritual. Ocurre a lo largo de esta grabación, sobre todo en «Beauty Has It Hard» (del baterista Dave King) y «Silence is the Question» (del bajista Reid Anderson). Algo especial ocurría cuando estos músicos se reunían. El trío de larga duración se convirtió en un cuarteto; los cuatro músicos suenan como una banda de trabajo. La grabación es el emblema de una tendencia del jazz actual, en la que la colaboración y el proceso suelen primar sobre el liderazgo y la visión de un solo músico. Dicho esto, Redman -de 46 años cuando se grabó este álbum- merece unas palabras especiales. Es un músico de renombre desde los 20 años y sigue siendo un músico trabajador y arriesgado que sigue ampliando sus habilidades técnicas y expresivas. Eso es raro, en cualquier época.
Kamasi Washington
The Epic (Brainfeeder, 2015)
El saxofonista tenor Washington blande una urgencia de asalto a las barricadas, como Coltrane: Puede inmovilizarte contra la pared y empujarte hasta el otro lado, donde te sacudes el polvo, te rascas la cabeza y dices: «Tío, no sabía que existía este sitio». Los mejores momentos de The Epic son así, empezando por «Change of the Guard», el himno que da inicio a esta suite de casi tres horas de duración y tres discos construidos en torno a una banda de 10 músicos aumentada por una orquesta y un coro. A lo largo de los 17 temas, se escucha la inmersión de Washington en la iglesia afroamericana, en el avance del soul de los 70 (Marvin Gaye, Donny Hathaway) y en el jazz espiritualizado de los 70 de Alice Coltrane, McCoy Tyner, Pharoah Sanders y Billy Harper. Washington, que tenía 34 años cuando se publicó The Epic, asimila todo esto, a la vez que lo hace sentir del momento. Tiene una conocida carrera paralela en el hip-hop; toca en To Pimp A Butterfly, de Kendrick Lamar. El colectivo musical que se ha formado a su alrededor en Los Ángeles -conocido como West Coast Get Down- parece estar tocando la canción del momento en el jazz, y Washington está tocando la canción de las canciones.
Redactor de SFJAZZ, Richard Scheinin es un periodista de toda la vida. Fue el crítico de música clásica y jazz del San Jose Mercury News durante más de una década y ha realizado perfiles de decenas de personajes públicos, desde Ike Turner hasta Tony La Russa y el Dalai Lama.