15 szaxofon album, amit hallanod kell
15 SAXOPHONE ALBUMS
YOU SHOULD HEAR
December 14, 2018 | | by Richard Scheinin
John Coltrane A Love Supreme artwork
Egy évszázadon át a jazz hangzása elválaszthatatlan volt a szaxofon hangjától: Sürgető, jajveszékelő, egyedülállóan kifejező. Újra és újra a szaxofonosok újításai vitték előre a zenét: Lester Youngtól Charlie Parkerig, John Coltrane-ig és tovább.”
Íme, itt vagyunk, és megpróbáljuk a szaxofon dicsőségének ezt a történetét 15 felvételből álló listába foglalni. Sok szerencsét, ugye? Amit most olvasni fogsz, az a jazz történetének mintegy 80 évét öleli fel. Igyekeztem “alapvető” felvételeket felvenni, olyanokat, amelyeket mindenkinek, akit érdekel a jazz, meg kell hallgatnia. De itt-ott a lista a személyes kedvencek felé billent. Végül is, hogyan is lehetne csak egyetlen Sonny Rollins-albumot kiválasztani? Néha csak azt kell választani, amelyiket a legjobban szereted.
Mi több, az “esszenciális” listáról több tucat úttörő játékos hiányzik. Ez elkerülhetetlen, de fáj belegondolni azokba a zenészekbe, akik nem kerültek be a válogatásba. Nincs Johnny Hodges ezen a listán. Nincs Ben Webster vagy Dexter Gordon. Nincs Cannonball Adderley, Joe Henderson vagy Jackie McLean. Nincs Roland Kirk, Pharoah Sanders vagy Archie Shepp. Nincs Sam Rivers vagy Billy Harper. Nincs Michael Brecker vagy Kenny Garrett vagy Joe Lovano vagy Ravi Coltrane.
Egy bizonyos fokig tehát ennek a listának a kiegészítése egy másik elkészítését igényli. Talán ez néhány hónap múlva megtörténik.
De addig is, nézd meg ezt a 15 esszenciális listát.
Coleman Hawkins
Body and Soul (RCA, 1939, antologizálva a Coleman Hawkins: Ken Burns’ Jazz, a Verve-nél)
Az idősebb Hawkins – “a tenorszaxofon atyja” – Thelonious Monk mentora lesz, és együtt játszik az avantgardista Eric Dolphyval. De ez az ikonikus szám karrierjének egy korábbi szakaszából való, amikor szó szerint feltette a szaxofont a térképre, megmutatva, hogy nem valami esetlen menetzenei hangszer – nem, Hawkinsnak köszönhetően a jazz meghatározó hangszere lesz. Ez a szám mutatta az utat. Hőséhez, Louis Armstronghoz hasonlóan Hawkins koncepciója tekintélyt parancsoló és ragyogóan tiszta volt. Hallgassuk meg a hangját, erőteljes és érett, ahogyan kórusról kórusra halad, a frázisokat virágos érintésekkel díszíti, a hangokat hagyja elmaradni, majd visszatér a hegycsúcs felé. Improvizációja szakaszosan bontakozik ki, mint egy óriási kadencia. Hawkins nemcsak azt mutatta meg társainak, hogyan kell nagyszerűen játszani egy balladát. Alapvetően arra tanította őket, hogyan építsenek fel egy improvizált szólót azon a hangszeren, amely később meghatározta a jazz hangzását.
Lester Young
Indiana (Aladdin, 1942, elérhető a The Complete Aladdin Recordings of Lester Young-on, a Blue Note-on)
When does breath becomes sound? Ez a rejtély Lester Youngnál, aki ezen a számon a refrének utolsó körét egy alig mormolt frázissal kezdi – csak egy ötlet nyoma, bár azonnal megragadja a figyelmet. Vajon mi következik ezután? Hová visz Lester? Mint Miles Davis egyik örököse, Young is egy fényes szépség felé visz, amely egy ködös, bluesos örvényben rejtőzik. Youngnál sosincs túl sok hangjegy. Játéka egy esszencia – lebegő, selymes, lendületes. Ez a Nat King Cole zongoristával és Red Callender basszusgitárossal közös trió szám egy kitartó lábdobogás. Mégis annyira laza, hogy az ember nem tudja, táncoljon-e, vagy egyszerűen csak hallgassa a beszélgetést. Lester nevet? Sír? Egy rövid mondaton belül mindkettőre képes. Hangja játékosok egész generációját formálta meg, és továbbra is inspirál.
Charlie Parker
Bird of Paradise (Dial, 1947, antologizálva a The Complete Savoy & Dial Master Takes, Savoy Jazz)
Mint egy rádióvevő, a fiatal Charlie Parker – “Bird” – tárcsázta Hawkinst és Youngot, Chu Berryvel, Ben Websterrel és más zseniális szaxofonosokkal együtt, akik Kansas Cityben, Parker szülővárosában dolgoztak az 1930-as években. Mi történt ezután, és miért? Nos, hogyan magyarázza J.S. Bachot? Parker nyelve, akárcsak Baché, valamilyen univerzális forrásból eredhetett, tekintve belső logikáját és teljes szépségét – nem is beszélve a blues lényegéről, az őrült dallamokról és a tempókról, amelyek úgy száguldoznak, mint a metró, amely Parkert Harlemből az 52. utcába repítette, miután New Yorkba költözött. Lerakott néhány gyönyörű balladát is, köztük a “Bird of Paradise” (az “All the Things You Are” akkordváltásain alapul), a Dial lemezkiadó 1946-47-es felvételeiről. Miután a szomszédos számokon – “Dexterity”, “Bongo Bop”, “Klact-oveeseds-tene” és “Scrapple from the Apple” – végigmentél, megalapozod a helyed a Bird’s Worldben. Mindezekben a dallamokban egyébként a korszakban működő zenekara, a trombitás Miles Davis és a dobos Max Roach játszik.
Sonny Rollins
Sonny Rollins Plus 4 (Prestige, 1956)
A buzgalom, az ötletek végtelen pörgése: Rollins olyan, mint egyetlen más improvizátor sem. Ezen az albumon két legjobb szerzeménye – a “Valse Hot” és a “Pent-Up House” – szerepel, és olyan elragadtatott hangulatban találjuk, hogy hallgatás közben nem lehet nem jól érezni magunkat. Kétszeresen jó, hogy az album a nagyszerű trombitással, Clifford Brownnal alkot egy párt. Úgy játszanak, mint a lelki társak, az empátiát fokozza, hogy ez egy működő zenekar: Ez tulajdonképpen a Clifford Brown-Max Roach Quintet, amelynek Rollins is tagja volt. Mégis számról számra a szaxofonos parancsolja a randevút. Hallgassuk meg a “Kiss and Run” szólóját – lendületes, legyőzhetetlenül szvinges, dallamosan ötletes, és mindenekelőtt tele van örömmel és az ő különleges vitalitásával. Rollins megállíthatatlan, akár egy folyó. A randevút a “Count Your Blessings” című számmal zárja, amely szívből jövő és közvetlen, igazi libabőrös előadás. Köszönjük, Mr. Rollins.
Eric Dolphy
Far Cry (New Jazz, 1962)
Oh, Dolphy, senki sem csinált olyan hangokat, mint te: azokat a bőgőket és siránkozásokat, azokat a rebegő károgásokat és robbanó kacajokat. A virtuóz multi-reedista albumai tele vannak az avant-bebop egyedülálló, vad és szeszélyes stílusával. Meg fog repeszteni téged. Itt a “Miss Ann” című dallamán úgy szólal meg, mint Charlie Parker átlósan: Kubista Bird, furcsán logikus, és sosem áll távolabb a bluestól, mint néhány milliméterre. És tudott Dolphy valaha is dallamot játszani: A “Left Alone” (fuvolán) hidegrázást okoz. A “Tenderly” (szóló, altszaxofonon) pocsolyává változtatja az embert. Az “It’s Magic” (basszusklarinéton) az egyik leglélekbemarkolóbb dolog, amit valaha hallani fogsz, még akkor is, ha az előadás közepén nyikorog. Dolphy egyformán volt intellektus, szív és képzelet – és megszállottság, mert mindig megszállottan hajszolta az igazságát, a hangot, amit a fejében álmodott. Coltrane imádta őt, ahogy Charles Mingus és Ornette Coleman is, akivel Dolphy az ikonikus “Free Jazz”-t vette fel ugyanazon a napon, amikor ezt a különleges albumot, a Far Cry-t rögzítette.”
John Coltrane
A Love Supreme (Impulse, 1965)
A 20. századi zenében mérföldkőnek számító lemez egy kínai gong merész suhintásával kezdődik, amelynek visszhangja megtisztítja a levegőt az előtt, ami következik. Az “A Love Supreme” egy szvit, amely úgy épül fel, mint egy vallásos szertartás, és a szaxofonos az LP borítójegyzeteiben úgy jellemezte, mint egy áldozatot Istennek. Ebben kristályosodik ki Coltrane hangzása, a szupernova szaxofon és a McCoy Tyner zongoristával, Jimmy Garrison basszusgitárossal és Elvin Jones dobossal alkotott klasszikus kvartettje. Több mint fél évszázad elteltével az album még mindig lélegzetelállító. A hallgatók érzik, hogy “minden vadonatúj volt” a négy zenész számára a felvételek idején, mondta nekem néhány évvel ezelőtt Ravi Coltrane szaxofonos, John fia. “Olyan ez, mint amikor a bolygók együttállnak. Ez nem történik meg minden nap.”
Wayne Shorter
JuJu (Blue Note, 1965)
A most 85 éves Shorter a jazz Yodája, a titkos harmonikus mozgás mestere, és olyan játékos, akinek szólóstílusa egyre takarékosabb és rejtélyesebb. De ez még egy korábbi korból való, amikor Shorter – barátja, Coltrane bűvöletében – egyfajta tomboló szépséget keresett elképesztő kompozícióinak formáiban. “Deluge”. “House of Jade.” “Yes or No.” “Twelve More Bars to Go.” A dallamok itt felejthetetlenek, és Shorter kvartettje – lényegében Coltrane kvartettje, McCoy Tynerrel, Elvin Jones-szal és a basszusgitáros Reggie Workmannel – óceáni érzésű, nyers energiával táplálja a szaxofonistát, ahogy szólói felfelé, felfelé, felfelé haladnak egy forró spirituális emelkedésben. Ez az 1960-as évek – a pokolba is, minden korszak – egyik legjobb lemeze. Soha nem lehet megunni.
Stan Getz
Sweet Rain (Verve, 1967)
Ez a kitűnő album Getzet – akárcsak Shortert a JuJu-n – Coltrane befolyása alatt találja. Getz temperamentuma azonban egészen más hangulatot teremt. Tenorhangja megdöbbentően tiszta és fuvolaszerű, pillekönnyű. Ritka eleganciával árasztja el auráját, úgy hangzik, mint Lester Young modális ruhába öltözve. A zenekar – Chick Corea zongoristával, Ron Carter basszusgitárossal és Grady Tate dobossal – tökéletes. Ahogy a dalválasztás is, amely Antonio Carlos Jobim “O Grande Amor”-jától kezdve Corea “Litha”-ján és “Windows”-ján át Dizzy Gillespie “Con Alma”-jáig terjed. Ez utóbbinál Getz szólója fokozatosan forrósodik fel; a coda aztán másodpercek alatt suttogásból jajveszékelésbe csap át. Ez operai. Az előadásokban számról számra a tisztaság és a visszafogottság keveredik az alig leplezett intenzitással. Minden egyes dallam olyan, mint egy fehéren izzó szén.
Albert Ayler
In Greenwich Village (Impulse, 1967)
A Getz úrral ellentétes végletet képvisel Ayler úr. Ez az album a tenorszaxofonos eksztatikus himnuszaiból gyűjt össze egy csokorra valót: “Change Has Come”, “Truth is Marching In”, “Our Prayer”. Mindegyik részben felvonulási alapzene, részben népdal, részben pünkösdi tumultus. Az előadások masszívak, elsöprő erejűek, és igen, örömteli módon harsogóak, a könyörgő szaxofonos és a trombitás Donald Ayler, a vezető testvére vezetésével. Nevezzük ezt “free jazznek”, “tűzzenének” vagy “új hullámnak” – mindez azt jelenti, hogy Ayler fáklyát vetett a jazz ortodoxiájára, ahogyan az MC5 és más punkzenekarok a rock ‘n’ rollra. Aylert eretneknek bélyegezték. De az igazság az, hogy minden hang, amit játszott, ugyanabból az áramlatból merített, mint a jazz, és különösen az afroamerikai egyház. Ezt az albumot élőben vették fel a Village Vanguardban és a Village Theatre-ben, amely néhány évvel később új nevet kapott: Fillmore East.
Ornette Coleman
Science Fiction (Columbia, 1972)
Még mindig kiráz a hideg, ha ezt az albumot hallgatom, pedig már ezerszer meghallgattam. Több mint szaxofonos, Coleman tiszta kreatív művész volt, akinek a dallamhoz való tehetsége és a blues-érzéshez való alapvető affinitása kulcsfontosságú elemei lettek egy olyan életműnek, amely egyedülálló az amerikai zenében. Mégis, mint szaxofonos, Coleman túl van az átlagos nagyságon. Hangja olyan mélyen emberi: minden egyes könyörgő hangjával egyszerre öreg lélek és tiszta gyermek. Az 50-es évek végi felvételei forradalmat inspiráltak a jazzben. A Science Fiction bejelentette második eljövetelét. A lüktető kreatív energia és szépség vérpezsdítő ereje. A zenészek közötti higanyszálas szinkronitás bámulatos. Coleman a randevúra összehívta közeli barátait, mindannyian mesterjátékosok: Don Cherry és Bobby Bradford trombitásokat, Dewey Redman szaxofonost, Charlie Haden basszusgitárost, Ed Blackwell és Billy Higgins dobosokat. A bombayi Asha Puthli énekli Coleman két legmegrendítőbb dalát, a “What Reason Could I Give” és az “All My Life” címűeket. Az improvizált hangok nyüzsgő méhkasa és egy csecsemő sírása fölött David Henderson költő szavalja a címadó dal szavait: “Az én… életem… a…. civilizációhoz… tartozik”. A stúdióeffektek – extrém visszhang és kompresszió – egészséges használata révén ez a szám azt a benyomást kelti, mintha a zene és a szavak egy másik időből és helyről érkeztek volna. Mondhatnánk, hogy ez volt az afrofuturizmus, mielőtt a kifejezést feltalálták volna. De valójában Ornette csak azt tette, amit mindig is tett: belenyúlt a saját személyes dimenziójába, majd elhúzta a függönyt, és felfedte világát a többiek előtt.
Anthony Braxton
New York, 1974 ősze (Arista, 1975, elérhető a The Complete Arista Recordings of Anthony Braxton című lemezen, a Mosaic Recordson)
Braxton olyan komoly zenész, amilyennel csak találkozni lehet, és olyan gáz. Ezen az albumon altszaxofonon, szopránszaxofonon, fuvolán, altfuvolán, klarinéton és kontrabasszusklarinéton játszik. A hangok kutatója, a kategóriák megdöntője, és kozmikus témájú maratoni operákat komponált, amelyeket soha nem adnak elő. Itt azonban 1974-ben egy New York-i lemezstúdióban van, egy nagy kiadó számára készít felvételeket, és kvartettjével – a korszak egyik meghatározó zenekarával -, valamint néhány különleges vendéggel világossá teszi jazz-gyökereit. Az albumot földkörüli bebop nyitja, ahogy a kvartett belekapcsolódik Braxton virtuóz rejtvénynyelvébe: poszt-Charlie Parker, poszt-Ornette Coleman, poszt-Eric Dolphy. Minden számmal jön valami más: egy frissen szellőztetett kamaradarab, amely Stravinskyra utal; egy laza középtempójú szvingbetét; egy agyrázós duett Braxtonra és szintetizátorra; egy sötét árnyalatú kompozíció szaxofonkvartettre Braxton és három másik újító közreműködésével: Oliver Lake, Julius Hemphill és Hamiet Bluiett. Az album visszahozza a korszak intenzitását és nyugtalanságát – és azt a nyitott fülű hozzáállást, amely egy időre lehetővé tette a jazz mainstream és az avantgárd keveredését. Az azóta eltelt évtizedekben Braxton egyfajta egyszemélyes akadémiává vált. Zenészek tömegei lépték át az ajtaját; ők a szabad gondolkodók, az őrültek, azok, akik mindig tartogatnak meglepetéseket.
Branford Marsalis
Trio Jeepy (Columbia, 1989)
Marsalis a barátjával és kortársával, Jeff “Tain” Watts dobossal és a basszusgitáros Milt “The Judge” Hintonnal, a nagyrabecsült öregúrral vonult be a stúdióba és engedte forogni a szalagokat erre a randevúra. Ez az album a laza virtuozitás és a túláradó swing jegyében készült, Marsalis – aki a felvételek idején 28 éves volt – Sonny Rollins módjára árasztja el a váltásokat, és mindez könnyedén hangzik. A trió eljátssza Marsalis saját “Housed from Edward”-ját, majd gőzerővel játssza a “The Nearness of You”-t, a “Three Little Words”-t, a “Makin’ Whoopee”-t és Billy Strayhorn “U.M.M.G.”-jét. Ez utóbbit gyors tempóban veszik fel, Hinton pedig olyan groove-ot rak le, ami szinte ellopja a show-t. Ez az album egy élvezet. Bensőséges, mintha a nappaliban vették volna fel. Jó érzésről és a jazz hagyományok iránti szeretetről árulkodik. Több záró számban Delbert Felix lép be basszusgitáron, miközben a trió beleveti magát abba a “modális burnout” stílusba, amely a következő években Marsalis védjegyévé vált.
Steve Coleman
Curves of Life (RCA/BMG, 1995)
A párizsi Hot Brass Clubban készült élő felvétel az altszaxofonos csúcspontját mutatja be a Five Elements nevű együttesével. Könnyű belefeledkezni Coleman összetett szintézisének leírásaiba, amely erősen merít a bebopból és a funkból, valamint a kubai, nyugat-afrikai és indiai hagyományos zenéből vett részleteket. Felejtsük el mindezt. A Five Elements egy olyan zenekar, amely egy pillanat alatt fordul – gondoljunk csak James Brownra -, ahogy Coleman át- és átszáll a poliritmikus funk mátrixán, emlékeztetve két Parkerre, Charlie-ra és Maceóra. Az 1980-as években az M-Base nevű mozgalom egyik alapítója, Coleman hatása az évek során Art Blakey-szerűvé vált: Nagyszerű játékosok tucatjai jártak át a csoportjain, átvéve koncepcióit és folyamatát, a módját, ahogyan a zenekart a tempó, a hangnem, a sűrűség és a hangulat villámgyors váltásain keresztül vezette. Mindezek az elemek lézerszerűen fókuszálódnak. Ezt hallhatod a “Curves of Life”-on. A zene lángol, a közönség pedig válaszol: kiabál, sikít. Az utolsó szám, az “I’m Burnin’ Up (Fire Theme)” három rapperrel és egy vendég szaxofonossal, a titán David Murray-vel egészíti ki az alapzenekart, aki végigordítja az egészet.
Joshua Redman
The Bad Plus Joshua Redman (Nonesuch, 2015)
A szaxofonos és a The Bad Plus néven ismert zongorás trió együttműködése egységes hangulatot áraszt: kísérteties, hipnotikus és szép. Redman gondolkodó és alkalmazkodó játékos, aki mindig azon dolgozik, hogy felemelje az adott helyzetet. Itt a kürt teljes hangterjedelmét egyenletes és gyönyörű hangszínnel dolgozza meg, új dallamokat pörgetve a szólóin keresztül, észrevétlenül építve a feszültséget, amíg a zene átcsap magas drámába és lelki katarzisba. Ez történik az egész felvételen, leginkább a “Beauty Has It Hard”-ban (a dobos Dave King) és a “Silence is the Question”-ben (a basszusgitáros Reid Anderson). Valami különleges dolog történt, amikor ezek a zenészek összeálltak. A régóta működő trióból kvartett lett; a négy zenész úgy szól, mint egy működő zenekar. A felvétel megtestesíti a mai jazz egy olyan tendenciáját, ahol az együttműködés és a folyamat gyakran elsőbbséget élvez egy-egy játékos vezetésével és víziójával szemben. Ennek ellenére Redman – aki 46 éves volt, amikor ez az album készült – külön szót érdemel. A húszas évei eleje óta “neves” játékos, továbbra is szorgalmas zenész és kockázatvállaló, aki folyamatosan bővíti technikai tudását és kifejező képességeit. Ez ritka, bármelyik korszakban.”
Kamasi Washington
The Epic (Brainfeeder, 2015)
A tenorszaxofonos Washington Coltrane-szerű, a barikádokat ostromló sürgés-forgással bélyegez: A falhoz tud szorítani, és át tud lökni a túloldalra – ahol lesöpöröd a port, megvakarod a fejed, és azt mondod: “Ember, nem is tudtam, hogy ez a hely létezik”. A The Epic legjobb pillanatai ilyenek, kezdve a “Change of the Guard”-al, a himnusszal, amely elindítja ezt a közel háromórás, háromlemezes szvitet, amely egy 10 tagú zenekarra épül, amelyet zenekar és kórus egészít ki. A 17 számon keresztül hallhatjuk Washington elmélyülését az afroamerikai egyházban, a ’70-es évek souljának (Marvin Gaye, Donny Hathaway) felfelé ívelő lendületében, valamint Alice Coltrane, McCoy Tyner, Pharoah Sanders és Billy Harper spiritualizált ’70-es évekbeli jazzében. Washington, aki a The Epic megjelenésekor 34 éves volt, mindezt úgy asszimilálja, hogy közben a pillanatnak megfelelőnek érzi. Párhuzamos karrierje a hip-hopban is jól ismert; ő játszik Kendrick Lamar To Pimp A Butterfly című albumán. A Los Angelesben körülötte tömörült laza zenei kollektíva – West Coast Get Down néven – úgy tűnik, hogy a jazzben a pillanat dalát játssza, Washington pedig a dalok dalát.”
A SFJAZZ munkatársa, Richard Scheinin egész életében újságíró. Több mint egy évtizeden át a San Jose Mercury News klasszikus zenei és jazzkritikusa volt, és számos közéleti személyiségről készített portrét, Ike Turnertől Tony La Russa-ig és a Dalai Lámáig.