Revisiting Pocahontas a 20
Em 1938, Walt Disney lançou o primeiro longa-metragem de animação, um projecto que tinha sido rotulado de “Disney’s folly” graças à crença da indústria de que as suas ambições de tamanho exagerado se revelariam catastróficas. Em vez disso, Branca de Neve e os Sete Anões tornou-se o filme de maior sucesso do ano, com um investimento de 8 milhões de dólares e o lançamento de um novo fenómeno cultural no mundo: a princesa Disney.
A Branca de Neve pode ter aberto caminho para a animação, mas demorou algum tempo até que a Disney reconhecesse o potencial de ancorar projectos ambiciosos em torno de personagens femininas. Passaram-se 12 anos até que o estúdio baseasse outra imagem completa numa heroína com o lançamento de Cinderela, em 1950. Beauty and the Beast (1991) veio mais de meio século depois que Branca de Neve obteve sete Oscars honoríficos em miniatura da Disney no Academy Awards de 1939, mas foi apenas o sexto filme da Disney dos 32 a focar principalmente na história de uma personagem feminina. No entanto, foi também um sucesso colossal, com um orçamento de US$ 425 milhões, e o sucesso do filme inspirou o estúdio a procurar outro romance ambicioso com uma heroína ousada e convincente. O resultado foi Pocahontas, uma narração dramática de uma das primeiras histórias americanas sobre uma mulher nativa americana e seu encontro com um marinheiro inglês chamado John Smith.
Quando Pocahontas foi lançada em 23 de junho de 1995, as críticas que recebeu por tomar liberdades históricas com a idade de Pocahontas e seu relacionamento com Smith ofuscaram em grande parte o fato de que a Disney tinha, pela primeira vez, baseado um quadro inteiro em torno de uma mulher adulta, muito menos uma mulher de cor. Era também a primeira vez que o estúdio tinha produzido um filme sobre uma pessoa real. O filme pode ter falsificado alguns fatos para permitir uma história romântica convincente, mas teve uma atitude progressiva quando se tratava de interpretar a história, retratando os colonos ingleses como saqueadores em busca de ouro inexistente que tinham a intenção de assassinar os “selvagens” que encontraram no processo.
O filme também parecia abraçar uma mensagem ambientalista, com Pocahontas mostrando a Smith o absurdo de tirar coisas incessantemente da Terra em vez de ver o seu potencial. Era uma história radical sobre agência feminina e empatia disfarçada de um romance bastante idiota, e em meio à controvérsia que surgiu na época graças ao assunto, muitas das melhores qualidades do filme foram esquecidas. Mas 20 anos depois, seu impacto pode ser visto na nova onda de filmes de animação da Disney como Brave and Frozen, enquanto Pocahontas continua sendo uma entrada bem intencionada no cânone da Disney.
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Prior to the Little Mermaid’s release in 1989, os anos 70 e 80 foram tempos difíceis para a Disney. As duas décadas anteriores tinham visto algumas das imagens mais emblemáticas do estúdio, mas filmes como As Muitas Aventuras de Winnie the Pooh (1977) e The Fox and the Hound (1981) eram esquecidos, enquanto que The Black Cauldron (1985) era uma bomba de bilheteira. De 1961 a 1988, os estúdios Walt Disney concentraram-se em grande parte em histórias sobre animais falantes, de Os Resgatadores (1977) a O Grande Rato Detective (1986), assim como Robin Hood (1973), que reinventou os personagens arquetípicos ingleses como antropomorfos de raposas e ursos. Em 1984, Roy E. Disney, sobrinho de Walt, lançou uma campanha chamada “SaveDisney”, na qual argumentava que o estúdio estava perdendo sua magia. Após o catastrófico lançamento de The Black Cauldron, Roy Disney foi colocado à frente do departamento de animação da Disney em 1985, e ajudou a liderar o renascimento criativo e financeiro da empresa nos anos 90.
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A Pequena Sereia, a história de 1989 de uma princesa chamada Ariel que se apaixona por um humano e decide trocar sua voz pela habilidade de viver em terra, foi um filme muito no velho conto de fadas romântico da Disney – um conto de fadas romântico com humor infantil e personagens coadjuvantes atraentes. A Bela e a Besta de 1991 pisou terreno semelhante, enquanto que O Rei Leão de 1994 foi uma história animal com um alcance mais épico, com a savana africana enquadrada como um reino e a cria Simba retratada como um jovem príncipe Hamlet cujo pai tinha sido assassinado pelo seu tio.
Pocahontas foi algo completamente diferente. O sucesso da Bela e da Besta estimulou o presidente do estúdio Jeffrey Katzenberg a insistir em outro romance, e os diretores Mike Gabriel e Eric Goldberg queriam seguir uma história que teve suas origens no início da história americana, ao mesmo tempo em que incorporavam os elementos Romeu e Julieta-esquesquesas de duas pessoas de origens muito diferentes se apaixonando. Mas ao contrário da ingênua e incerta Ariel e Belle, Pocahontas seria muito mais confiante – “uma mulher em vez de uma adolescente”, como disse o animador supervisor Glen Keane. Como diz o produtor Jim Pentacostes no documentário da Disney de 1995 sobre a realização do longa, “Pocahontas é a heroína mais forte que já tivemos em um filme da Disney”.
O principal problema com Pocahontas – como expresso por vários grupos indígenas americanos, incluindo a Nação Powhatan, que traça suas origens até a própria Pocahontas – é que, com o tempo, ela veio para encarnar o tropo do “Índio Bom”, ou aquele que oferece sua própria vida para ajudar a salvar um colonizador branco. “Sua oferta de sacrifício, sua figura curva e sua estatura virginal simbolizam a heroína indígena da América”, escreveu Angela Aleiss em uma op-ed do The Los Angeles Times. Aleiss continua criticando como as personagens indianas são definidas por suas relações masculinas, são “postas de lado pelo homem branco” para uma mulher de sua própria raça, e não têm nada em seu apelo além de sua “pulcritude na tela”
Mas Pocahontas como personagem é mais complexa do que Aleiss permite. Ela se joga sobre John Smith quando ele está prestes a ser executado, enfatizando o valor da vida humana e a natureza destrutiva da guerra, mas seu movimento é recíproco minutos depois, quando Smith então se posiciona entre o pai de Pocahontas e o furioso chefe dos colonos ingleses, o governador Ratcliffe, e é baleado no processo. O ferido Smith decide voltar para casa e implora a Pocahontas para ir com ele, mas ela escolhe ficar com sua tribo em sua terra natal. Em vez de sacrificar algo por amor (como Ariel desistir de sua voz, ou Belle sua liberdade), Pocahontas coloca sua identidade e sua herança em primeiro lugar. É um final ousado, que subverte deliberadamente a história real, que viu a verdadeira Pocahontas casar com um inglês diferente, John Rolfe, e viajar para Londres com ele, onde foi banqueteada como um exemplo do “selvagem civilizado” antes de morrer aos 21 anos, pouco antes de seu marido voltar para a Virgínia.
Powhatan Nation tem uma página em seu site na qual também critica a Disney por propagar o tema “Bom Índio/ Mau Índio” e basear um filme no que se acredita ser em grande parte uma mentira contada por John Smith para realçar sua própria mística. “Os euro-americanos devem se perguntar por que tem sido tão importante elevar a mentira de Smith ao status de mito nacional digno de ser reciclado novamente pela Disney”, diz a página. “A Disney até melhora, transformando Pocahontas de uma menina numa jovem.” Mas um filme animado sobre a relação entre uma menina de 10 anos (como Pocahontas é acreditada na época em que conheceu John Smith) e um homem adulto teria, presumivelmente, um público horrorizado. “Tivemos a escolha de ser historicamente precisos ou socialmente responsáveis”, disse Glen Keane.
O animador Tom Sito escreveu sobre os esforços que a equipe criativa fez para tentar retratar com precisão a cultura nativa americana, dizendo: “Ao contrário do veredicto popular de que ignoramos a história no filme, tentamos arduamente ser historicamente corretos e retratar com precisão a cultura dos Algonquins da Virgínia. Consultamos o Instituto Smithsonian, vários especialistas nativos americanos, os descendentes de Pocahontas, as tribos sobreviventes da Virgínia, e até fizemos várias viagens a Jamestown”. O letrista, Stephen Schwartz (mais conhecido por seu sucesso na Broadway, Wicked!) também viajou para Jamestown para pesquisar a música e a história dos nativos americanos enquanto trabalhava nas músicas do filme.
Quando perguntado sobre se ele achava que o filme retratava a história com precisão, o ator nativo americano Russell Means, que deu sua voz ao pai de Pocahontas, disse que estava chocado com o quão revolucionário o enredo era: “Os machos eurocêntricos estão a admitir porque vieram aqui – para matar índios, roubar e pilhar. Isso nunca foi feito antes. Esta é também a primeira vez, além da Exposição do Norte, que um rosto humano foi colocado sobre uma fêmea indiana”
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Embora sua interpretação da história tenha atraído críticas consideráveis, menos se escreveu sobre o fato de que a Disney tinha, pela primeira vez, proporcionado a uma heroína independente e destemida um forte senso de si mesmo. Pocahontas, cujo casamento foi arranjado por seu pai com um guerreiro chamado Kocoum, expressa dúvidas de que ele seja um bom partido para ela, afirmando que ele é “tão… sério”. Ela procura orientação dos mais velhos, mas também se conhece bem o suficiente para intuir que é muito pouco convencional para um marido assim. Em comparação com Belle, que está presa pela Besta antes de eventualmente ver seu lado bom, ou Ariel, que se apaixona pelo Príncipe Eric à primeira vista, ou Cinderela e Aurora e Branca de Neve, todos parecem aceitar que seus casamentos são pré-ordenados, Pocahontas tem uma acuidade notável quando se trata de escolher um parceiro romântico – ao ponto de ser capaz de deixá-lo ir em vez de sacrificar sua felicidade.
A sua força e bravura são traços que a Disney também deu à personagem de Mulan, que se disfarça de homem para poder ir à guerra no lugar de seu pai mais velho. Mas depois do lançamento desse filme em 1998, a Disney só produziu um filme sobre uma heroína feminina em 2009, A Princesa e o Sapo, cujo sucesso impulsionou uma nova série de histórias sobre heroínas corajosas: Tangled de 2010, Brave de 2012 e Frozen de 2013, que levou mais de um bilhão de dólares nas bilheterias e se tornou o filme de animação mais grandioso de todos os tempos.
Talvez seja exagero dizer que não haveria Elsa ou Rapunzel ou Mérida sem Pocahontas, mas ignorar o seu status como a primeira heroína da Disney verdadeiramente capacitada é perder um verdadeiro ponto de viragem para as personagens femininas no século 20. Num ensaio para a Highbrow Magazine, Kaitlin Ebersol alinha as fases das heroínas Disney com as várias ondas do feminismo no século XX e mais além. “Nos anos 90, uma terceira onda de feminismo, que tratava especificamente da sexualidade feminina, tinha surgido em resposta aos fracassos da segunda onda”, escreve ela. “A terceira onda começou a desestabilizar antigos contratos de corpo, gênero e sexualidade, e encorajou cada mulher a definir feminilidade, beleza e orientação para si mesma … Estas novas princesas refletiram as crenças drasticamente alteradas da sociedade sobre quem são as mulheres e como elas devem agir”
Não foi apenas Pocahontas uma reimaginação radical da heroína da Disney, o filme em que ela estrelou estava em si tentando tanto re-explorar a história como encorajar a empatia como uma qualidade orientadora para os jovens espectadores. Se O Rei Leão foi o Bambi de sua geração quando se trata de pensar no tratamento de animais, Means disse: “Pocahontas ensina que pigmentação e estrutura óssea não têm lugar nas relações humanas”. É o melhor longa-metragem sobre os índios americanos que Hollywood produziu”
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