15 saksofonialbumia, jotka sinun pitäisi kuulla
15 SAXOPHONE ALBUMS
YOU SHOULD HEAR
Joulukuu 14, 2018 | | by Richard Scheinin
John Coltrane A Love Supreme -taideteos
John Coltrane A Love Supreme -taideteos
Jo lähes vuosisadan ajan jazzin ääni on ollut erottamaton saksofonin äänestä: kiireellinen, ulvova, ainutlaatuisen ilmeikäs. Uudestaan ja uudestaan saksofonistien innovaatiot ovat vieneet musiikkia eteenpäin: Lester Youngista Charlie Parkeriin, John Coltraneen ja muuallekin.
Yritämme siis kiteyttää tämän saksofonin kunnian historian 15 äänitteen listaan. Onnea matkaan, eikö niin? Se, mitä aiotte lukea, kattaa noin 80 vuotta jazzin historiaa. Olen yrittänyt ottaa mukaan ”välttämättömiä” äänitteitä, sellaisia, jotka jokaisen jazzista kiinnostuneen pitäisi kuulla. Toisinaan lista on kuitenkin kallistunut henkilökohtaisten suosikkien suuntaan. Kuinka voitkaan valita vain yhden Sonny Rollinsin levyn? Joskus on vain pakko valita se, josta pitää eniten.
Lisäksi tästä ”olennaisten” listasta puuttuu kymmeniä uraauurtavia soittajia. Se on väistämätöntä, mutta tekee kipeää ajatella muusikoita, jotka eivät päässeet listalle. Tällä listalla ei ole Johnny Hodgesia. Ei Ben Websteriä tai Dexter Gordonia. Ei Cannonball Adderleytä, Joe Hendersonia tai Jackie McLeania. Ei Roland Kirkiä, Pharoah Sandersia tai Archie Sheppiä. Ei Sam Riversia tai Billy Harperia. Ei Michael Breckeriä tai Kenny Garrettia tai Joe Lovanoa tai Ravi Coltranea.
Jossain määrin tämän luettelon täydentäminen edellyttää siis toisen laatimista. Ehkä se tapahtuu muutaman kuukauden päästä.
Mutta sillä välin tutustu näihin 15 keskeiseen listaan.
Coleman Hawkins
Body and Soul (RCA, 1939, antologisoitu teoksella Coleman Hawkins: Ken Burns’ Jazz, Verve-levyllä)
Varttuneempana Hawkins – ”tenorisaksofonin isä” – olisi Thelonious Monkin mentori ja soittaisi avantgardisti Eric Dolphyn kanssa. Mutta tämä ikoninen kappale on hänen uransa varhaisemmasta vaiheesta, jolloin hän oli kirjaimellisesti laittamassa saksofonia kartalle ja osoittamassa, ettei se ollut mikään kömpelö marssiorkesterin soitin – ei, Hawkinsin ansiosta siitä tulisi jazzin hallitseva instrumentti. Tämä kappale näytti tietä. Sankarinsa Louis Armstrongin tavoin Hawkinsin konsepti oli hallitseva ja loistavan selkeä. Kuuntele hänen lihaksikasta ja kypsää ääntään, kun hän kulkee kertosäe kertosäkeen jälkeen, koristelee fraasejaan kukkaisilla yksityiskohdilla, antaa nuottien jäädä taakse ja suuntaa sitten takaisin kohti vuorenhuippua. Hänen improvisaationsa kehittyy vaiheittain, kuin jättimäinen kadenssi. Hawkins ei vain näyttänyt kollegoilleen, miten balladia voi soittaa upeasti. Periaatteellisemmin hän opetti heitä rakentamaan soittimella improvisoidun soolon, joka tulisi määrittelemään jazzin soundin.
Lester Young
Indiana (Aladdin, 1942, saatavana The Complete Aladdin Recordings of Lester Young -levyllä Blue Notella)
Kuinka hengitys muuttuu ääneksi? Se on mysteeri Lester Youngin kohdalla, joka aloittaa tämän kappaleen viimeisen kertosäkeistökierroksensa hädin tuskin murretulla fraasilla – vain ajatuksen jälki, vaikka se herättääkin heti huomion. Mitä seuraavaksi, ihmetteletkö? Minne Lester vie minua? Kuten Miles Davis, yksi hänen perillisistään, Young vie sinut kohti kirkasta kauneutta, joka kätkeytyy sumuisen, bluesmaisen pyörteen sisään. Youngin kanssa ei ole koskaan liikaa nuotteja. Hänen soittonsa on olemusta – kelluvaa, silkkistä, svengaavaa. Tämä triokappale pianisti Nat King Colen ja basisti Red Callenderin kanssa on itsepintainen jalkautuja. Silti se tuntuu niin rennolta, ettei tiedä, pitäisikö tanssia vai vain kuunnella keskustelua. Nauraako Lester? Itkeekö hän? Lyhyen lauseen sisällä hän pystyy molempiin. Hänen äänensä muokkasi koko pelaajasukupolven ja inspiroi edelleen.
Charlie Parker
Bird of Paradise (Dial, 1947, antologisoitu The Complete Savoy & Dial Master Takes, Savoy Jazz)
Kuin radiovastaanotin, nuori Charlie Parker – ”Bird” – valitsi Hawkinsin ja Youngin sekä Chu Berryn, Ben Websterin ja muiden nerokkaiden saksofonistien, jotka työskentelivät Kansas Cityssä, Parkerin kotikaupungissa, 1930-luvulla. Mitä sitten tapahtui ja miksi? No, miten selität J.S. Bachin? Parkerin kieli, kuten Bachinkin, olisi voinut syntyä jostain universaalista lähteestä, kun otetaan huomioon sen sisäinen logiikka ja täydellinen kauneus – puhumattakaan bluesin olemuksesta, hullunkurisista melodioista ja tempoista, jotka kiitävät kuin metrot, jotka kiidättivät Parkerin Harlemista 52nd Streetille hänen muutettuaan New Yorkiin. Hän esitti myös upeita balladiesityksiä, mukaan lukien ”Bird of Paradise” (joka perustuu ”All the Things You Are” -laulun sointumuutoksiin) Dial-levymerkille vuosina 1946-47 tekemiltään äänitteiltä. Kun olet käynyt läpi sen viereiset kappaleet – ”Dexterity”, ”Bongo Bop”, ”Klact-oveeseds-tene” ja ”Scrapple from the Apple” – olet vakiinnuttanut paikkasi Bird’s Worldissa. Kaikissa noissa kappaleissa on muuten mukana hänen silloinen työyhtyeensä trumpetisti Miles Davisin ja rumpali Max Roachin kanssa.
Sonny Rollins
Sonny Rollins Plus 4 (Prestige, 1956)
Ylitsevuotavuutta, ideoiden loputonta pyörittämistä: Rollins on kuin kukaan muu improvisoija. Tällä levyllä on kaksi hänen parhaista sävellyksistään – ”Valse Hot” ja ”Pent-Up House” – ja hän on niin haltioituneessa vireessä, että kuunnellessa ei voi muuta kuin tuntea olonsa hyväksi. Tuplasti hyvältä tuntuu sikäli, että albumi yhdistää hänet loistavan trumpetisti Clifford Brownin kanssa. He soittavat kuin sielunkumppanit, ja empatiaa lisää se, että kyseessä on toimiva yhtye: Se on itse asiassa Clifford Brown-Max Roach Quintet, jonka jäsen Rollins oli. Silti kappale kappaleelta saksofonisti komentaa treffit. Kuuntele hänen sooloaan kappaleessa ”Kiss and Run” – pirteä, voittamattomasti svengaava, melodisesti kekseliäs ja ennen kaikkea täynnä iloa ja hänen erityistä elinvoimaisuuttaan. Rollins on pysäyttämätön kuin joki. Hän päättää treffit ”Count Your Blessings” -kappaleella, joka on sydämellinen ja suora, todellinen goose-bump-esitys. Kiitos, herra Rollins.
Eric Dolphy
Far Cry (New Jazz, 1962)
Oh, Dolphy, kukaan ei tehnyt samanlaisia ääniä kuin sinä: noita warbleseja ja wailseja, noita räpytteleviä kujerruksia ja räjähteleviä guffauksia. Virtuoottisen multireedistin levyt ovat täynnä ainutlaatuista avant-bebopia, villiä ja omituista. Hän saa sinut sekaisin. Tässä kappaleessa ”Miss Ann” hän kuulostaa Charlie Parkerilta, joka on asetettu vinoon: Kubistinen Bird, oudon looginen eikä koskaan ole kuin muutaman millimetrin päässä bluesista. Ja osasi Dolphy koskaan soittaa melodiaa: Hänen ”Left Alone” -kappaleensa (huilulla) saa aikaan kylmiä väreitä. Hänen ”Tenderly” (soolona alttosaksofonilla) tekee sinusta lätäkön. Hänen ”It’s Magic” -kappaleensa (bassoklarinetilla) on varmasti yksi sielukkaimmista asioista, joita olet koskaan kuullut, vaikka hän vinkuu kesken esityksensä. Dolphy oli yhtä paljon älyä, sydäntä ja mielikuvitusta – ja pakkomielle, sillä hän jahtasi aina pakkomielteisesti totuuttaan, ääntä, josta hän unelmoi päänsä sisällä. Coltrane rakasti häntä, samoin Charles Mingus ja Ornette Coleman, jonka kanssa Dolphy levytti ikonisen ”Free Jazzin” samana päivänä, kun hän äänitti tämän erikoisalbumin, ”Far Cry”.”
John Coltrane
A Love Supreme (Impulse, 1965)
Levy on merkkipaalu 1900-luvun musiikissa. 1900-luvun musiikin merkkipaalu alkaa kiinalaisen gongin rohkealla huitaisulla, jonka kaikuminen raivaa ilmaa tulevaa varten. ”A Love Supreme” on sviitti, joka rakentuu kuin jumalanpalvelus, ja saksofonisti kuvaili sitä LP:n liner notesissa uhriksi Jumalalle. Siinä kiteytyy Coltranen soundi, hänen supernova-saksofoninsa ja hänen klassisen kvartetinsa, johon kuuluivat pianisti McCoy Tyner, basisti Jimmy Garrison ja rumpali Elvin Jones. Yli puolen vuosisadan jälkeen albumi on yhä henkeäsalpaava. Kuulija aistii, että ”kaikki oli aivan uutta” näille neljälle muusikolle äänityksen aikaan, kertoi Johnin poika, saksofonisti Ravi Coltrane minulle muutama vuosi sitten. ”Se on kuin planeettojen kohtaaminen. Sitä ei tapahdu joka päivä.”
Wayne Shorter
JuJu (Blue Note, 1965)
Nyt 85-vuotias Shorter on jazzin Yoda, salaisen harmonisen liikkeen mestari ja soittaja, jonka solistinen tyyli on muuttunut yhä taloudellisemmaksi ja kryptisemmäksi. Mutta tämä on aikaisemmalta ajalta, jolloin Shorter – ystävänsä Coltranen lumoissa – etsi hämmästyttävien sävellystensä muotojen sisältä eräänlaista raivoavaa kauneutta. ”Deluge”. ”House of Jade.” ”Yes or No.” ”Twelve More Bars to Go.” Tämän kappaleet ovat unohtumattomia, ja Shorterin kvartetti – se on pohjimmiltaan Coltranen, McCoy Tynerin, Elvin Jonesin ja basisti Reggie Workmanin kanssa – tuntuu valtamereltä, joka syöttää raakaa energiaa saksofonistille hänen soolojensa liikkuessa ylös, ylös, ylös kiehuvassa henkisessä nousussa. Tämä on yksi 1960-luvun parhaista levyistä – helvetti, koko aikakauden parhaista levyistä. Se ei vanhene koskaan.
Stan Getz
Sweet Rain (Verve, 1967)
Tällä hienolla levyllä Getz – kuten Shorter JuJulla – on Coltranen vallassa. Mutta Getzin temperamentti luo hyvin erilaisen tunnelman. Hänen tenoriäänensä on hätkähdyttävän puhdas ja huilumainen, kevyt kuin höyhen. Harvinaisen eleganttia auraa levittäen hän kuulostaa vähän kuin Lester Young modaalisissa vaatteissa. Bändi – pianisti Chick Corea, basisti Ron Carter ja rumpali Grady Tate – on täydellinen. Samoin lauluvalikoima, joka vaihtelee Antonio Carlos Jobimin ”O Grande Amorista” Corean ”Lithaan” ja ”Windowsiin” sekä Dizzy Gillespien ”Con Almaan”. Jälkimmäisessä Getzin soolo kiihtyy vähitellen; hänen codansa siirtyy sitten sekunneissa kuiskauksesta ulvomiseen. Se on oopperamaista. Kappale kappaleelta esityksissä yhdistyvät selkeys ja maltillisuus hädin tuskin peiteltyyn intensiteettiin. Jokainen sävel on kuin valkean kuumaa hiiltä.
Albert Ayler
In Greenwich Village (Impulse, 1967)
Herra Getzin vastakohtana on herra Ayler. Tämä albumi kokoaa kasan tenorisaksofonistin ekstaattisia hymnejä: ”Change Has Come”, ”Truth is Marching In” ja ”Our Prayer”. Jokainen niistä on osittain paraatimusiikkia, osittain kansanlaulua ja osittain helluntailaisuutta. Esitykset ovat massiivisia, musertavia ja kyllä, iloisesti räiskyviä, ja niitä johtavat anova saksofonisti ja trumpetisti Donald Ayler, johtajan veli. Kutsukaa sitä ”free jazziksi” tai ”palomusiikiksi” tai ”uudeksi aalloksi” – kaikki tämä tarkoittaa sitä, että Ayler sytytti soihdun jazzin ortodoksisuudelle samaan tapaan kuin MC5 ja muut punk-yhtyeet aikoivat tehdä rock ’n’ rollille. Ayler leimattiin harhaoppiseksi. Totuus on kuitenkin se, että jokainen hänen soittamansa nuotti ammensi samoista virroista kuin jazz ja erityisesti afroamerikkalaisesta kirkosta. Tämä albumi nauhoitettiin livenä Village Vanguardissa ja Village-teatterissa, joka useita vuosia myöhemmin sai uuden nimen: Fillmore East.
Ornette Coleman
Science Fiction (Columbia, 1972)
Minulle tulee vieläkin kylmät väreet, kun kuuntelen tätä levyä, ja olen kuunnellut sen tuhat kertaa. Enemmän kuin saksofonisti, Coleman oli puhdas luova taiteilija, jonka melodian lahja ja pohjimmainen kiintymys blues-tunnelmiin muodostuivat keskeisiksi tekijöiksi teoksessa, joka on ainutlaatuinen amerikkalaisessa musiikissa. Silti saksofonistina Coleman on tavanomaisen suuruuden yläpuolella. Hänen äänensä on niin syvästi inhimillinen: jokaisella anovalla nuotilla hän on sekä vanha sielu että puhdas lapsi. Hänen 50-luvun lopun levytyksensä innoittivat jazzin vallankumouksen. Science Fiction ilmoitti hänen toisesta tulemisestaan. Se on sykkivän luovan energian ja kauneuden verenpurkaus. Muusikoiden nopea synkronisuus on hämmästyttävää. Coleman kokosi treffeille läheiset ystävänsä, kaikki mestarisoittajia: trumpetistit Don Cherry ja Bobby Bradford, saksofonisti Dewey Redman, basisti Charlie Haden, rumpalit Ed Blackwell ja Billy Higgins. Bombaylainen Asha Puthli laulaa kaksi Colemanin ahdistavinta kappaletta, ”What Reason Could I Give” ja ”All My Life”. Improvisoitujen äänien parveilevan mehiläispesän ja yliäänitetyn vauvan itkun yläpuolella runoilija David Henderson lausuu nimikappaleen sanat: ”Minun… elämäni… kuuluu……. sivilisaatioon.” Studiotehosteiden – äärimmäisen kaiun ja kompression – terveellä käytöllä tuo kappale antaa vaikutelman toisesta ajasta ja toisesta paikasta saapuneesta musiikista ja sanoista. Voisi sanoa, että tämä oli afrofuturismia ennen kuin termi keksittiin. Mutta oikeastaan se oli vain Ornettea, joka teki sitä, mitä hän aina teki: kurkisti omaan henkilökohtaiseen ulottuvuuteensa ja veti sitten verhon auki paljastaen maailmansa meille muille.
Anthony Braxton
New York, syksy 1974 (Arista, 1975, saatavana The Complete Arista Recordings of Anthony Braxton -levyllä Mosaic Recordsilla)
Braxton on niin vakavasti otettava muusikko kuin ikinä tulee vastaan, ja hän on kaasu. Tällä levyllä hän soittaa alttosaksofonia, sopraninosaksofonia, huilua, alttohuilua, klarinettia ja kontrabassoklarinettia. Hän on äänen tutkija, kategorian purkaja, ja hän on säveltänyt kosmisista aiheista maratonoopperoita, joita ei koskaan esitetä. Tässä hän on kuitenkin newyorkilaisessa äänitysstudiossa vuonna 1974 äänittämässä suurelle levy-yhtiölle ja tekee selväksi jazzjuurensa kvartetissaan – joka on yksi aikakauden ratkaisevimmista yhtyeistä – ja eräiden erikoisvieraiden kanssa. Albumi avautuu maan pinnalla kiertävällä bebopilla, kun kvartetti lukittuu Braxtonin virtuoosimaiseen palapelikieleen: Charlie Parkerin, Ornette Colemanin ja Eric Dolphyn jälkeiseen aikaan. Jokaisella raidalla on jotain erilaista: raikkaan kuuloinen kamarikappale, jossa viitataan Stravinskylle; rento mid-tempo-swingin interlude; Braxtonin ja syntetisaattorin aivoja kutkuttava duetto; tummansävyinen sävellys saksofonikvartetille, jossa on mukana Braxton ja kolme muuta innovaattoria: Oliver Lake, Julius Hemphill ja Hamiet Bluiett. Albumi tuo mieleen tuon ajan intensiteetin ja levottomuuden – ja sen ennakkoluulottoman asenteen, joka mahdollisti jazzin valtavirran ja avantgarden sekoittumisen joksikin aikaa. Sen jälkeisinä vuosikymmeninä Braxtonista on tullut eräänlainen yhden miehen akatemia. Sen ovista on kulkenut lukuisia muusikoita; he ovat vapaa-ajattelijoita, hulluja, niitä, jotka pitävät yllätykset yllä.
Branford Marsalis
Trio Jeepy (Columbia, 1989)
Marsalis meni studioon ja päästi nauhat pyörimään tätä treffejä varten rumpali Jeff ”Tain” Wattsin, ystävänsä ja ikätoverinsa, sekä basisti Milt ”The Judge” Hintonin, kunnioitetun vanhuksen, kanssa. Levy on täynnä rentoa virtuositeettia ja riemukasta svengiä, ja Marsalis – äänityksen aikaan 28-vuotias – on Sonny Rollinsin tapaan tulvillaan vaihtoja ja saa sen kuulostamaan helpolta. Trio soittaa Marsalisin oman ”Housed from Edwardin”, sitten höyryää läpi ”The Nearness of You”, ”Three Little Words”, ”Makin’ Whoopee” ja Billy Strayhornin ”U.M.M.G.”. Jälkimmäinen on otettu nopeaan tahtiin, ja Hinton soittaa groovea, joka melkein varastaa show’n. Tämä albumi on nautinto. Se on intiimi, aivan kuin se olisi äänitetty omassa olohuoneessa. Se henkii hyvää fiilistä ja rakkautta jazz-perinnettä kohtaan. Useilla päätösraidoilla Delbert Felix astuu esiin bassolla, kun trio sukeltaa ”modaaliseen burnout-tyyliin”, josta tulisi Marsalisin tavaramerkki tulevina vuosina.
Steve Coleman
Curves of Life (RCA/BMG, 1995)
>Tämä live-tallenne Pariisin Hot Brass -klubilta taltioi alttosaksofonistin huippuhetkillä yhtyeensä Five Elementsin kanssa. On helppo takertua kuvauksiin Colemanin monimutkaisesta synteesistä, joka ammentaa vahvasti bebopista ja funkista sekä otteita Kuuban, Länsi-Afrikan ja Intian perinteisestä musiikista. Unohda se kaikki. Five Elements on bändi, joka kääntyy hetkessä – ajattele James Brownia – kun Coleman lentää polyrytmisen funkin matriisin yli ja läpi muistuttaen kahta Parkeria, Charlieta ja Maceota. M-Base-nimellä tunnetun liikkeen perustajana 1980-luvulla Colemanin vaikutus on vuosien varrella muuttunut Art Blakeyn kaltaiseksi: Kymmenet loistavat soittajat ovat kulkeneet hänen ryhmiensä läpi ja omaksuneet hänen konseptinsa ja prosessinsa, hänen tapansa ohjata yhtyettä salamannopeiden tempon, avaimen, tiheyden ja tunnelman muutosten kautta. Kaikki nämä elementit keskittyvät lasermaisesti. Voit kuulla sen ”Curves of Life” -kappaleessa. Musiikki palaa ja yleisö vastaa: huutaa, kiljuu. Viimeinen kappale, ”I’m Burnin’ Up (Fire Theme)”, täydentää ydinyhtyettä kolmella räppärillä ja vierailevalla saksofonistilla, titaanimaisella David Murraylla, joka pauhaa läpi prosessin.
Joshua Redman
The Bad Plus Joshua Redman (Nonesuch, 2015)
Saksofonistin ja The Bad Plus -nimellä tunnetun pianotrion yhteistyöalbumi valaa yhtenäisen tunnelman: ahdistava, hypnoottinen ja ihana. Redman on ajatteleva ja sopeutuvainen soittaja, joka pyrkii aina kohottamaan tiettyä tilannetta. Hän työstää tässä torven koko äänialaa tasaisella ja kauniilla soinnilla, kehrää uusia melodioita soolojensa kautta, rakentaen huomaamattomasti jännitettä, kunnes musiikki yltyy korkeaan draamaan ja henkiseen katarsikseen. Sitä tapahtuu koko levyn ajan, erityisesti rumpali Dave Kingin kappaleessa ”Beauty Has It Hard” ja basisti Reid Andersonin kappaleessa ”Silence is the Question”. Jotain erityistä oli tekeillä, kun nämä muusikot kokoontuivat yhteen. Pitkään toiminut trio muuttui kvartetiksi; neljä muusikkoa kuulostaa toimivalta yhtyeeltä. Levytys ilmentää nykyjazzin trendiä, jossa yhteistyö ja prosessi ovat usein etusijalla yksittäisen soittajan johtajuuteen ja näkemykseen nähden. Tästä huolimatta Redman – 46-vuotias albumin tekohetkellä – ansaitsee erityissanan. Hän on ollut ”nimisoittaja” parikymppisestä lähtien, ja hän on edelleen ahkera muusikko ja riskinottaja, joka laajentaa jatkuvasti teknisiä taitojaan ja ilmaisukykyään. Se on harvinaista, millä aikakaudella tahansa.
Kamasi Washington
The Epic (Brainfeeder, 2015)
Tenorisaksofonisti Washington keihästää myrskynsekaista kiireettömyyttä, Coltranen tavoin: Hän voi nipistää sinut seinään ja työntää sinut läpi toiselle puolelle – jossa harjaat pölyt pois, raaputat päätäsi ja sanot: ”En tiennytkään, että tämä paikka on olemassa.” The Epicin parhaat hetket ovat juuri tällaisia, alkaen ”Change of the Guardista”, hymnistä, joka käynnistää tämän lähes kolmetuntisen, kolmen levyn mittaisen kokonaisuuden, joka on rakennettu 10-henkisen bändin ympärille, jota orkesteri ja kuoro täydentävät. Kaikkiaan 17 kappaleessa kuullaan Washingtonin uppoutuminen afroamerikkalaiseen kirkkoon, 70-luvun souliin (Marvin Gaye, Donny Hathaway) ja Alice Coltranen, McCoy Tynerin, Pharoah Sandersin ja Billy Harperin henkevään 70-luvun jazziin. Washington, joka oli 34-vuotias The Epicin ilmestyessä, omaksuu kaiken tämän ja saa sen samalla tuntumaan nykyhetkeltä. Hänellä on tunnettu rinnakkainen ura hiphopin parissa; hän soittaa Kendrick Lamarin To Pimp A Butterfly -levyllä. Hänen ympärilleen Los Angelesissa kerääntynyt löyhä musiikkikollektiivi – joka tunnetaan nimellä West Coast Get Down – näyttää soittavan jazzin hetken laulua, ja Washington soittaa laulujen laulua.”
Richard Scheinin on SFJAZZin henkilökunnan kirjoittaja, ja hän on elinikäinen journalisti. Hän toimi San Jose Mercury Newsin klassisen musiikin ja jazzin kriitikkona yli kymmenen vuoden ajan ja on profiloinut lukuisia julkisuuden henkilöitä Ike Turnerista Tony La Russaan ja Dalai Lamaan.