Céline Dion, Meat Loaf, Jim Steinman et l’histoire bizarre, merveilleuse et parfois triste de « It’s All Coming Back To Me Now »
Andrew Lloyd Webber l’aurait appelée « la plus grande chanson d’amour jamais écrite », mais selon le côté du binaire power ballad yay/nay sur lequel vous atterrissez, « It’s All Coming Back to Me Now » est soit un désordre tourbillonnant et boursouflé, soit une pleureuse gothique et grandiose.
Il dure entre un peu plus de cinq minutes et presque huit, selon la version. Une rafale de cordes, le piano en forme de boîte à musique, et puis le downbeat meurtrier et violent. Ce qui suit est une bataille presque épique de crescendos tonitruants et de chuchotements étouffés et brisés. Il n’y a pas de juste milieu dans une chanson de Jim Steinman. C’est un homme d’excès et d’extrêmes : il porte des lunettes de soleil façon Dark Vador à l’intérieur et pense que le cuir est un tissu toutes saisons. Sa première inspiration musicale a été Wagner. Il a aidé à créer Meat Loaf.
En 1996, Steinman n’était pas le collaborateur le plus probable de Céline Dion. Avec seulement trois albums en anglais à son actif, mais déjà une énorme star au même titre que Mariah Carey et Whitney Houston, Dion avait travaillé avec des gens comme David Foster, Diane Warren et Ric Wake, mais jamais quelqu’un comme Steinman. Ils partageaient un certain penchant pour les chansons hautement théâtrales et émotionnelles, avec beaucoup de sentiments et de grandiloquence. Bien sûr, il avait travaillé avec l’héroïne de Dion, Barbra Streisand, une fois en 1984, mais il était surtout connu pour ces collaborations avec Meat Loaf (principalement Bat Out of Hell en 1977 et le Bat Out of Hell II : Back Into Hell de 1993), l’album de Bonnie Tyler de 1983, Faster than the Speed of Night (« Total Eclipse of the Heart »), et le tube d’Air Supply, « Making Love Out of Nothing At All. »
Mais Dion est tombée amoureuse de « It’s All Coming Back to Me Now », une chanson que Steinman avait écrite une dizaine d’années plus tôt et inspirée, en partie, de Wuthering Heights. Elle l’a tellement aimée qu’elle l’a séquencée en premier sur son album Falling Into You de 1996, l’a sortie comme deuxième single en Amérique du Nord, et a réalisé ce qui était, selon la rumeur, l’un des clips les plus chers de tous les temps pour l’accompagner avec le célèbre réalisateur Nigel Dick (Guns ‘n’ Roses, Oasis, Britney Spears).
Comme il s’avère, « It’s All Coming Back to Me Now » a une histoire secrète aussi sensationnelle et casse-tête que la chanson elle-même, et tout le monde et tout ce qu’elle a touché a été changé par son existence – et pas toujours pour le mieux. Pour le 20e anniversaire de Falling Into You de Dion, CBC Music vous emmène à l’intérieur de l’histoire drôle, étrange et parfois triste du chef-d’œuvre déroutant de Steinman, y compris une entrevue avec la première femme à enregistrer la chanson, et une plongée en profondeur dans le tournage du vidéoclip épique de Dion avec Dick.
Au cas où vous ne seriez pas familier avec le « It’s All Coming Back to Me Now », voici Dion faisant une version beaucoup plus réduite pendant son énorme spectacle sur scène. Maintenant, rencontrez l’homme derrière la chanson.
Jim Steinman
Il n’est pas surprenant que Steinman ait débuté dans le théâtre musical. Un profil publié en 1996 dans le Sunday London Times relate l’une des premières influences de Steinman : la diffusion radiophonique complète, pendant 22 heures, du cycle du Ring de Wagner, alors qu’il n’avait que neuf ans. Il écrit de la musique et met en scène des pièces à l’université, et en 1969, il écrit le livre, la musique et les paroles de sa première comédie musicale, The Dream Engine. Il continue le théâtre musical et rencontre Meat Loaf (alias Marvin Lee Aday), lorsqu’il est engagé dans la pièce More Than You Deserve de 1973, dont Steinman a écrit les paroles et la musique.
« Meat était la chose la plus hypnotique que j’avais jamais vue », a déclaré Steinman au magazine Classic Rock en 2000. « Il était beaucoup plus grand que maintenant, il était f–king énorme, et depuis que j’ai grandi avec (le compositeur allemand Richard) Wagner, tous mes héros étaient plus grands que nature. Ses yeux rentraient dans sa tête, comme s’il était transpercé. En 1975, Steinman et Meat Loaf commencent à tourner avec le National Lampoon Show, remplaçant Dan Aykroyd et John Belushi, mais Steinman écrit également de nouvelles chansons pour un projet Peter Pan appelé Neverland. Mais Steinman et Meat Loaf ont décidé que les meilleures de ces chansons de Neverland, dont « Bat Out of Hell », devaient former la base d’un album de rock.
« Je n’ai jamais vraiment vu la musique classique et le rock ‘n’ roll comme différents. Je ne le vois toujours pas », a déclaré Steinman à Classic Rock Magazine. « J’ai grandi en aimant les extrêmes en musique – les grandes textures gothiques. Je n’ai jamais eu beaucoup de considération pour les choses plus subtiles. Dire Straits est peut-être bon, mais ça ne me convient pas. J’étais attiré par William Blake, Hieronymus Bosch, je ne voyais pas l’intérêt d’écrire des chansons sur des choses ordinaires, de la vie réelle. »
Steinman et Meat Loaf n’ont pas trouvé beaucoup de soutien au début pour leur collaboration. Tout le monde rejetait le duo jusqu’à ce qu’ils rencontrent finalement le musicien et producteur américain Todd Rundgren – que Steinman a appelé « le seul génie avec lequel j’ai jamais travaillé ». Rundgren aurait « roulé par terre en riant. C’était tellement excentrique que j’ai dit : ‘Il faut que je fasse cet album' »
Enfin, Bat Out of Hell est sorti en 1977. La chanson titre dure neuf minutes, mais cela ne l’a pas empêché de devenir un énorme succès grand public malgré tous les facteurs qui s’y opposaient. En 1995, il a été certifié double diamant au Canada.
En 1981, le couple sort un autre album, Dead Ringer, et Steinman devient un compositeur, producteur et auteur de chansons très demandé. Ses marques de fabrique – bombance, amour gothique ou torturé, angoisse – se reflétaient dans chaque collaboration. Même Andrew Lloyd Webber est venu lui demander de l’aide pour écrire le Fantôme de l’Opéra, mais Steinman a refusé car il s’était engagé à produire le disque de Bonnie Tyler.
À la fin des années 80, Steinman a assemblé Pandora’s Box, un groupe pop féminin qui comprenait la musicienne et chanteuse de session new-yorkaise Elaine Caswell et la collaboratrice de Bat Out of Hell Ellen Foley. Le groupe a sorti un album concept en 1989 intitulé Original Sin, et a lâché un single au Royaume-Uni, une petite chanson intitulée « It’s All Coming Back to Me Now ».
Pandora’s Box
Vous n’avez jamais entendu parler de Pandora’s Box ? La plupart des gens non plus. Nommé d’après l’une des mythologies préférées de Steinman, le groupe était composé de Caswell, Foley, Gina Taylor, Deliria Wilde – et Steinman, qui était crédité comme claviériste. Mais, avant même que la Boîte de Pandore n’existe, Steinman était à la recherche d’une femme pour enregistrer sa nouvelle chanson. Il a trouvé Caswell, qui s’est entretenue avec CBC Music par téléphone depuis sa maison à New York pour parler du fait d’être la chanteuse originale de l’un des plus grands succès de Céline Dion.
C’est une histoire qui est un peu perdue pour l’histoire, mais vous avez enregistré et sorti « It’s All Coming Back to Me Now » sept ans avant que Céline ne la rende super célèbre.
C’est une histoire assez folle.
Vous rappelez-vous la première fois que vous avez entendu la chanson ?
Oh mon dieu, oui, de manière très vive ! J’avais travaillé en studio avec Eric Troyer et Rory Dodd qui sont deux chanteurs qui font toutes les voix de fond pour Jim. Un jour, Jim cherchait quelqu’un pour faire la chanson et ils ont dit, « Oh, tu dois aller voir Elaine ». Ils m’ont emmené à l’appartement de son manager. Ils étaient censés m’envoyer une démo pour que je l’écoute et que je rencontre Jim, il voulait entendre ma voix avec la chanson, et ils ont envoyé la mauvaise version. Ils ont envoyé la version d’un gars, donc ce n’était pas la bonne tonalité, donc Jim a paniqué et il a appelé le studio et j’ai dit, ‘Non, je suis cool, je suis cool. Montre-moi juste comment ça se passe. Alors il a joué quelques lignes au piano et j’ai commencé à chanter la chanson et elle était parfaitement dans ma voix. C’était juste une de ces choses où je me suis dit, ‘Man, je pourrais entrer dans celui-là.’ Il m’a regardé comme, ‘Oh mon dieu’. Et puis nous sommes allés dîner (rires).
C’était la première fois que je dînais avec lui, ce qui était tellement amusant. C’est un gourmand et un connaisseur en vins et il a commandé tous ces trucs et des vins associés aux bonnes choses. C’était l’un des plus grands banquets et festins auxquels j’ai jamais assisté, et j’étais comme, ‘Bon, je suppose que je vais chanter cette chanson, c’est vraiment génial.’
Puis nous sommes allés dans Avatar et avons travaillé dessus assez longtemps. Il a déployé, comme, 5 000 machines à 24 pistes, c’était à l’époque où tout le monde utilisait des bandes , et il n’arrêtait pas de dire, ‘Oh, je veux ouvrir plus de pistes’ et continuait à enregistrer des prises et des prises et des prises. Je venais de vivre une horrible rupture, je chantais cette chanson et je commençais à avoir des difficultés. J’ai couru aux toilettes, j’ai appelé ma meilleure amie et je lui ai dit : « Suze, je n’en peux plus, il me fait chanter ces lignes encore et encore et je n’ai pas l’impression qu’il me reste quelque chose en moi », et elle m’a dit : « Bon sang, mets ton rouge à lèvres rouge et vas-y, chante ». C’est le moment que tu attendais ! Alors j’ai mis mon rouge à lèvres et je suis retournée chanter, et il aimait me dire plus tard, « Tu sais, j’ai pratiquement utilisé la première prise que tu as faite. J’ai dit, ‘Ne me dis même pas ça, ce n’est pas drôle ; je pense que j’ai essentiellement craché du sang.’ Non, je ne l’ai pas fait.
Ça a l’air tellement intense !
Le coup de fil suivant que je reçois de lui est, ‘Hey, on va faire la vidéo, fais tes valises et assieds-toi, parce que je vais te dire qui va la réaliser’. Il me dit que c’est Ken Russell, le cinéaste emblématique qui a fait Tommy, The Devils, Women in Love. J’étais comme, ‘Quoi ? Steinman et Ken Russell ensemble ? C’est incroyablement, incroyablement exagéré. On est allés à Londres et on a fait le tournage, qui était complètement démesuré. J’embrasse des serpents, je suis mort sur une pierre tombale, la moto s’écrase, il y a du feu, je suis molesté par tous mes anciens amants. C’est fou ce Steinman. Mais on m’a dit, « Cette chanson va être un énorme succès. C’est ce que tout le monde disait, ce que Jim disait. Ça allait être son nouveau ‘Total Eclipse of the Heart’.
Mais ça ne l’a pas été.
Je pars et le disque sort en Angleterre. Ils allaient faire ce qu’ils ont fait avec ‘Total Eclipse’, c’est-à-dire le casser en Angleterre et le sortir ensuite aux États-Unis, ce qu’ils ont fait avec Bonnie Tyler. Je me suis dit : « Cool, ils ont un plan », je suis parti et le disque est sorti. Puis quelque chose a mal tourné avec Virgin Records, je ne suis pas sûr de tous les détails, mais quelque chose a mal tourné où il n’était pas heureux de la façon dont ils géraient les choses, et puis à la suite de cela, ils ont sorti une autre chanson, et le disque a fini par ne pas être publié aux États-Unis.
Donc il y a cette vidéo à un milliard de dollars faite par un cinéaste emblématique et cette chanson plus grande que nature que Jim a écrite et moi qui la chante et moi dans la vidéo, ce qui était complètement un honneur, et puis tout d’un coup c’est comme, ‘Hmmm, ça ne se passe pas comme ils m’ont dit.’ Ça fait trois ou quatre ans que je travaille sur ce truc. Bon, d’accord, c’est une bonne chose que j’aie une carrière de chanteur de studio à New York aussi, et j’ai continué à faire ce genre de choses pendant que j’y étais. Le disque n’est jamais devenu le grand succès qu’ils promettaient, et quelques années plus tard, Jim m’appelle et me dit : « Tu sais, j’ai enfin trouvé quelqu’un qui peut chanter cette chanson dans ta tonalité » et je lui dis : « Tant mieux pour toi ». Vous savez, ça aurait été vraiment sympa si c’était la nouvelle ‘Total Eclipse of the Heart’, mais je lui dis ‘Ok, je meurs d’envie de savoir qui c’est’ et il me répond ‘C’est Céline’. J’ai dit, ‘Eh bien, bon succès.’
La vidéo est folle. Par exemple, j’ai commencé à le regarder au travail et je prenais des notes, et soudain, vous êtes pratiquement mort et il y a une orgie avec des hommes en culotte courte et ce n’est même pas la marque de trois minutes. Vous saviez dans quoi vous vous engagiez ?
Je n’en avais aucune idée. J’ai joué le jeu. Quand j’ai découvert que c’était Ken Russell, j’étais à fond dedans ! C’était totalement cool, de traîner avec lui pendant le tournage et de boire du vin dans le cimetière où nous tournions la moitié du film. Je ne savais rien du tout. Ils ont dit : « Sois au studio à six heures du matin pour un maquillage complet. J’ai dit, ‘Maquillage complet ? Je n’ai jamais fait ça. Et bien, tu vas le faire demain parce que tu seras sous un drap sur une pierre tombale et nous voulons que chaque partie de ton corps soit maquillée pour que ce soit homogène. Ok, se lever à l’aube et la voiture vous emmène là-bas et il fait froid et vous êtes là avec un étranger et vous êtes nu ! C’était un peu trippant. Mais je ne suis pas une personne très timide, donc c’était ok.
J’y suis allé et j’étais comme, ‘Holy cow’. Il a fait venir tous ces danseurs de Cats à Londres et leur a fait faire tous ces trucs fous. Ils m’ont fait porter une tenue en cuir, cloutée, faite sur mesure et assez extravagante. J’aurais dû la garder, parce qu’elle était vraiment cool, mais je me souviens que j’étais tellement désemparée après toute cette déception que je l’ai jetée dans une poubelle de l’Armée du Salut. J’étais si triste. C’était une chose tellement douce-amère pour moi, comme, je ne peux plus regarder ça.
Oh, c’est si dur. Je ne peux même pas imaginer.
Le plus dur a été quand la chanson a refait surface à la radio avec Céline qui la chante. C’était exactement le même titre que celui sur lequel je chantais. Ils ont juste enlevé ma voix et mis la sienne, et je crois que Jim m’a dit que c’était Todd Rundgren qui avait arrangé et fait les voix de fond. J’entendais le downbeat de la chanson (il fredonne un peu) et je me retrouvais dans un taxi et je me mettais à pleurer. Il fallait que je sorte. Ou, je pouvais être dans la laverie ou l’épicerie, c’était un énorme succès, c’était partout.
Puis on m’a appelé pour venir chanter sur un titre de ce disque , ce qui était encore plus difficile pour moi, parce qu’elle avait déjà enregistré sa voix sur ‘It’s All Coming Back to Me Now’, et je la rencontre et elle était très, très gentille et a dit, ‘J’ai écouté vos voix. J’ai voyagé à travers l’Europe et je l’ai écouté constamment, tu as fait un travail incroyable. Elle était un peu comme, vous savez, ‘oh, j’espère que je peux le chanter aussi bien que toi’ et j’ai dit, ‘Vraiment ? Je pense que tu n’auras aucun problème. Je crois que j’ai même dit : « Bon succès. J’ai essayé d’être drôle, car comment le nier ?
Quel était l’autre morceau sur lequel vous avez chanté ?
« River Deep, Mountain High. J’avais déjà chanté avec Ronnie et Darlene Love, tous ces gens, avant. Mais c’était un voyage et une sorte d’expérience douce-amère. C’était une fois dans une vie, une tonne de plaisir, et très émouvant. C’est une chanson très émotionnelle. Les gens l’ont soit aimée, soit détestée.
Celine Dion vs Meat Loaf
« It All Coming Back to Me Now » est la première piste du quatrième album anglophone de Dion, le multiplatinum Falling Into You. La chanson dure presque huit minutes et, comme l’a souligné Caswell, les gens l’ont soit adorée, soit détestée. C’est une façon incroyablement courageuse de commencer un album, mais ce n’est pas simplement un acte d’orgueil. Dion n’avait pas encore le poids du thème du Titanic derrière elle, et les critiques pour son dernier disque étaient au mieux mitigées. Mais elle avait une base de fans solide et elle savait qu’elle pouvait contrôler et commander l’énormité des émotions de la chanson. Dion, comme Steinman, n’est pas une personne de demi-mesures, elle était donc particulièrement adaptée aux défis du morceau.
Mais Meat Loaf voulait la chanson pour lui-même. Selon une version de l’histoire, Steinman et Meat Loaf se sont mis d’accord pour enregistrer « I’ll Do Anything for Love (But I Won’t Do That) » pour Bat Out of Hell II de 1993 au lieu de « It’s All Coming Back to Me Now », le gardant pour Bat Out of Hell III. Lorsque Steinman a dit que Dion enregistrerait la chanson pour Falling Into You, Meat Loaf a intenté un procès mais Steinman a gagné et Dion a pu enregistrer sa version, qui est devenue un tube à succès.
Meat Loaf a finalement enregistré sa propre version de la chanson pour Bat Out of Hell III de 2006, mais en duo avec Marion Raven. Il a déclaré au magazine Billboard qu’il était toujours amer que Dion y soit arrivé avant lui.
« C’était ma chanson. Je voulais l’enregistrer pour Bat II et Jim a dit : ‘Attendons Bat III’ et je l’ai pris au mot. L’instant d’après, c’est Céline Dion qui l’enregistre. » Pour ajouter l’insulte à l’injure, lorsque Falling Into You est sorti, plusieurs critiques ont invoqué le nom de Meat Loaf à propos de la chanson écrite par Steinman, notamment le Toronto Sun, qui a déclaré qu’elle « sonne comme un rejet de Meat Loaf. »
Comme le vidéoclip de la chanson de Dion, celui de Meat Loaf se déroule également dans un manoir apparemment hanté par le fantôme d’un ancien amant, mais même lorsqu’il s’écarte du territoire de Eyes Wide Shut, il n’arrive pas à se montrer à la hauteur du pur spectacle de ce que Nigel Dick a créé pour Dion. Cependant, comme le dit Dick à CBC Music via Skype depuis Los Angeles, cela a moins à voir avec ses propres décisions. Bien qu’il soit l’un des réalisateurs de vidéoclips les plus prospères de tous les temps, Nigel Dick affirme que la vision d’un seul homme s’est rendue sur le plateau de tournage de » It’s All Coming Back to Me Now « , et c’était celle de Jim Steinman.
Nigel Dick
Vous aviez réalisé des vidéoclips pour Guns N’ Roses, Tears for Fears et Oasis, ainsi que pour de nombreux autres groupes rock. Comment avez-vous été impliqué avec Jim Steinman et Céline Dion ?
Cela a commencé en janvier 96. Je venais de rentrer de vacances et j’ai reçu un coup de fil : » Puis-je faire un travail avec Céline ? « , et dans les 15 heures qui ont suivi mon retour de Thaïlande, j’étais dans un avion pour la France. Je vivais à LA à l’époque, donc j’ai essentiellement pris l’avion pour le sud de la France, j’ai rencontré Céline et j’ai fait la vidéo de ‘Falling Into You’.’
Cela s’est passé très vite, et ensuite nous avons commencé à parler de cette vidéo en mars. Évidemment, la première vidéo a très bien marché, et donc on m’appelle : » Peux-tu commencer à écrire quelques idées pour la vidéo de Céline ? «
Que pensez-vous de la chanson ?
Eh bien, la vérité est que je ne suis pas un grand fan de la musique de Céline. J’adore Céline, elle est fantastique. C’est une femme merveilleuse. Mais j’ai appris assez tôt dans ma carrière que l’on fait très souvent son meilleur travail pour une musique que l’on n’aime pas nécessairement. Il y a probablement de nombreuses raisons à cela, mais peut-être que l’on fait plus d’efforts parce que l’on ne se contente pas d’écouter la musique et de la faire vibrer, ce qui nous oblige à nous concentrer sur d’autres aspects. Je suis un grand fan de musique, mais j’ai appris assez tôt dans ma carrière à ignorer la musique, ce qui est assez ironique lorsqu’on réalise un clip vidéo. Si vous êtes simplement fasciné par la musique, les images deviennent moins puissantes. Ce n’est pas comme si je me disais « Oh mon Dieu, c’est génial ! ». Ce n’était pas vraiment mon approche, j’avais dépassé ce besoin de travailler. Ce que j’avais alors découvert et que je continue à faire, c’est d’apprécier de travailler avec des gens formidables, et Céline est une dame merveilleuse et c’est pourquoi j’ai vraiment apprécié de travailler avec elle.
Quelles ont été vos premières impressions d’elle ?
Lorsque je l’ai rencontrée pour la première fois dans le sud de la France, elle était en fait très terre à terre. Je veux dire, c’était il y a 20 ans, je ne l’ai pas revue depuis, peut-être qu’elle a changé, mais elle est très drôle. Elle a un sens de l’humour très acerbe, et elle est très ouverte. Elle vous rend instantanément très détendu. C’est beaucoup plus facile de travailler. Le problème, c’est que lorsque vous réalisez des clips musicaux, ce n’est pas comme un film où vous passez trois semaines en préparation avec l’artiste. Vous passez deux mois sur le plateau à affiner le personnage, votre communication et votre relation avec cette personne. Lorsque vous réalisez un clip vidéo, c’est assez intense. Vous les rencontrez probablement trois heures avant le tournage, lors de l’essayage de la garde-robe, et la prochaine fois que vous les voyez, c’est lorsqu’ils sont sur le plateau en train de se maquiller et que vous avez 12 heures – si vous avez de la chance, vous avez deux jours – pour le faire. Alors avoir quelqu’un qui fait tomber les barrières pour vous, qui est très ouvert, chaleureux et avec qui il est facile de parler, rend les choses tellement plus faciles. J’ai travaillé avec de grandes stars à mon époque. J’ai eu beaucoup de chance. Et pour certaines d’entre elles, vous devez vous frayer un chemin à travers une barrière pour communiquer avec elles. J’aime à penser que je suis poli et respectueux et parfois ce sont deux mots qui ne sont pas nécessairement appropriés pour diriger quelqu’un.
Comment êtes-vous arrivé au concept final de la vidéo ?
Lorsque j’ai été approché pour la première fois pour écrire pour cette chanson, ils ont dit : » Pouvez-vous envoyer toute une liste d’idées, nous voulons beaucoup d’idées, nous n’en voulons pas juste une. Alors j’ai écrit, littéralement, une douzaine d’idées, et puis j’ai reçu un coup de fil, « Vous savez quoi ? Nous avons parlé à Jim et Jim a une idée, alors nous aimerions que vous preniez le téléphone avec Jim. Donc, ma douzaine d’idées a été jetée à la poubelle et je me retrouve au téléphone avec Jim et il est – c’est la seule fois où j’ai eu affaire à Jim, donc j’ai une perspective très unidimensionnelle sur ce que c’est que de travailler avec lui, je ne l’ai jamais rencontré, j’ai juste parlé avec lui au téléphone.
Il s’est étendu longuement sur l’idée, et ce à quoi ça se résumait, à un certain niveau, il semble que chaque idée qu’il a implique une moto . C’est quelque chose que j’ai souvent rencontré, en fait, avec un artiste ou un écrivain ou quelqu’un qui travaille dans le domaine visuel, qui a une carrière propre et qui devient célèbre pour une chose, c’est parce que c’est la seule chose qu’ils font. Je me disais : « Céline et un motard ? Si vous cherchez Jim Steinman sur le web et que vous cherchez une photo de lui, il est habillé comme le pire cauchemar d’un motard, avec des clous partout, ce que je trouve assez ironique, car j’ai été messager en moto à Londres pendant un certain temps. À moins que vous n’essayiez vraiment de faire un peu d’impression, vous portez juste une veste en cuir et autant de vêtements chauds et imperméables que vous pouvez.
Donc Jim arrive avec cette idée très impliquée, comme c’est assez commun quand des personnes non réalisatrices vous donnent une idée, c’était très top-heavy, très front-heavy. Le motocycliste a un accident, il meurt et Céline erre dans le manoir en ayant des visions de lui. J’ai fini par écrire son idée et il m’a dit : « Non, non, non, vous vous trompez sur ce point » et j’ai dû la réécrire. Finalement, nous avons eu ce traitement très complexe, qui était la vision de Jim. Ce n’est pas grave, beaucoup de mes meilleures vidéos sont issues d’idées d’autres personnes – je pense que ce qui était différent dans ce cas, c’est que d’habitude la personne me donne une idée au format carte postale et ensuite j’écris le roman, si vous voulez. Ils me donnent l’esquisse et c’est à moi d’en avoir une vision. Dans ce cas, Jim avait beaucoup, beaucoup de détails qu’il a insisté pour avoir dans la vidéo. Ce qui en fin de compte, je pense, en y repensant maintenant – je veux dire, il aurait dû réaliser la vidéo. C’est la vérité.
Comment avez-vous atterri à Prague ?
Nous avons donc cette idée très complexe et je peux dire que ça ne va pas être bon marché, ce qui a été écrit sur le papier, et il fallait que ce soit dans un endroit très fabuleux et tout le reste. En mars, alors que je mettais au point ces idées, je me suis rendu pour la première fois à Prague pour tourner Green Day et, à l’époque, c’était un lieu de tournage très bon marché. Il y avait un producteur et plusieurs personnes d’une société de production qui avaient accès à tous ces décors incroyables et autres, car les communistes venaient juste de partir, peut-être seulement quelques années auparavant, donc c’était très accessible et très abordable et je savais qu’il y avait tout ce fantastique matériel : des tableaux, des cheminées, tout ce dont nous aurions besoin. J’ai donc convaincu tout le monde d’aller tourner à Prague et je leur ai dit que c’était le seul moyen de faire travailler l’argent, pour qu’il ait une idée. Mais je n’y ai pas vraiment réfléchi, car tout le tournage se fait de nuit et si vous allez à Prague en juin ou en juillet, je crois que nous y étions le week-end du 4 juillet, je ne me souviens plus, il n’y a que six heures d’obscurité. Donc vous faites un tournage de nuit sans beaucoup de nuit, donc en fait je m’étais royalement foutu en l’air dès le début (rires).
À quoi ressemblait le premier jour de tournage ?
C’était dans ce palais, qui je pense avait été le palais d’été du roi de Tchécoslovaquie ou quelque chose comme ça, je ne me souviens plus des détails maintenant. Il avait environ 200 ans, cette belle pièce d’architecture au milieu d’un beau terrain et nous y avions un accès complet. Quelqu’un nous a donné la clé et nous sommes entrés. Je suis entré et il y avait littéralement des dizaines et des dizaines et des dizaines de personnes autour. J’ai soudain réalisé que le département artistique comptait à lui seul 90 personnes. Nous avons tourné la seconde moitié de la vidéo sur le plateau de l’un des studios de cinéma de Barrandov, à Prague, qui avait été construit par les nazis. Je l’ai tourné dans ce qui était alors l’une des plus grandes scènes d’Europe. Le couloir et sa chambre à coucher étaient un décor construit avec une vraie cheminée, tout d’une pièce, et c’était le plus grand décor que j’aie jamais fait construire dans toute ma carrière. C’était magnifiquement fait, une énorme, énorme production. Ce groupe massif de personnes, plus d’un camion de restauration, et juste cette énorme affaire à gérer la logistique de tout ça.
C’était un très gros travail, et c’était le plus gros travail de ma carrière, je pense, en termes de vidéo musicale et de budget, une très grosse somme d’argent en peu de temps, ce qui entraîne une énorme quantité de responsabilités. Même si j’avais fait beaucoup de travail préparatoire, je me suis soudain rendu compte, sur le chemin du tournage, qu’il n’y avait pas de plans de coupe. L’enfant meurt dans les 20 premières secondes, puis il n’y a plus que Céline. Vous ne pouvez pas passer au batteur ou au guitariste ou aux autres personnes de l’histoire. L’autre personne de l’histoire est morte et la seule fois où vous la verrez, c’est quand elle apparaîtra dans les miroirs et autres. Je n’avais jamais fait une histoire aussi compliquée dans ma carrière avec si peu de parties mobiles. Si je ne réussissais pas chaque plan avec Céline, j’avais des problèmes.
Cela ressemble à un cauchemar.
Vous faites un film, c’est ce que vous faites . Il y avait beaucoup de choses à craindre, disons-le comme ça. Alors vous faites ce que vous faites et vous vous débrouillez comme vous pouvez. Céline est fantastique. Quand nous l’avons fait courir sur le gravier, je l’ai fait courir cinq fois pour obtenir un bon plan, comme vous le faites, et elle était pieds nus. Le lendemain, quand elle est arrivée, elle avait les pieds bandés parce qu’elle ne m’avait pas dit qu’elle s’était coupé les pieds sur ce gravier nu. C’est une vraie bosseuse, je travaillerais avec Céline tous les jours de ma carrière si j’avais le choix, vraiment, c’est merveilleux de travailler avec elle.
Cette vidéo finit toujours par figurer sur les listes des clips les plus chers jamais réalisés.
En fait, c’est loin d’être aussi cher que beaucoup de clips. Il coûtait environ 750 000 $ et dans les quatre ou cinq ans qui ont suivi, il y avait tellement de vidéos qui étaient faites qui coûtaient, genre, un million de dollars. Le clip de Michael Jackson qu’il a réalisé avec Mark Romanack était censé coûter sept millions de dollars, alors oui, c’était loin d’être le clip le plus cher de tous les temps, en fait. Pour moi, c’était super cher parce que je n’ai jamais eu ces énormes budgets. Je recevais des budgets moyens. Je me souviens d’un réalisateur dont le nom m’échappe pour l’instant, qui a dit à la fin des années 90, début des années 2000, « Il est impossible de faire une vidéo pour moins d’un million » et je me suis dit « De quoi tu parles ? Je le fais tout le temps !’
Avez-vous déjà vu la vidéo originale de la Boîte de Pandore ?
Non, en fait, je suis allé très rapidement sur Internet hier soir pour me rappeler Jim et tout ça et j’ai vu ça dans Wikipedia. Ça disait le truc de la Boîte de Pandore. Pourquoi, c’est similaire ? (Rires)
Non, mais ça implique un accident de moto. Il se transforme en une orgie de rêve à grande échelle dans les deux-trois minutes et il y a un tas de mecs dans des chaps en cuir sans cul. C’est complètement fou.
Oui. Ca ressemble à Jim. Qu’on l’aime ou pas, il a manifestement un certain langage imagé qui lui est propre, très « body-ripping » en quelque sorte, pour ne pas dire plus. Pour être honnête, je pense que c’est l’un des gros défauts de la vidéo. La scène où elle se trouve dans la galerie des glaces et le type, à chaque fois qu’elle regarde, il est là et la caméra tourne autour d’elle, ce que Jim voulait réaliser dans cette scène n’était pas vraiment possible avec la technologie disponible à l’époque. C’est l’un de mes grands regrets de cette vidéo : nous essayions de faire quelque chose que, à un certain niveau, nous ne pouvions tout simplement pas faire.
Je trouve très difficile de regarder certaines parties de la vidéo parce que j’ai juste l’impression que nous pourrions le faire tellement mieux maintenant. On pourrait réaliser beaucoup de choses que Jim voulait y mettre. La technologie n’était tout simplement pas là, même avec l’énorme quantité d’argent que nous avions, nous ne pouvions pas accéder au genre d’effets spéciaux dont nous avions besoin à l’époque, en 1996.
Pouvez-vous préciser quelles étaient ces choses ?
Tout le truc de la vidéo, c’est qu’elle court dans la maison en ayant ces images de son amant mort, tout me revient maintenant, j’aimerais qu’il soit là, ce genre de choses. Je pense que le sens de cette hantise, le fantôme de son amant étant là, aurait pu être mieux créé. Pour être honnête, c’était le premier tournage d’effets spéciaux vraiment complexes que je faisais. J’ai l’impression que si j’avais pu le faire cinq ans plus tard, ou dix ans plus tard, je pense que j’aurais pu faire un bien meilleur travail et que j’aurais été bien plus fier du résultat. Même avec cette énorme somme d’argent, nous essayions, à un certain niveau, d’en faire trop. Et comme il s’agissait de la vision très détaillée de quelqu’un d’autre qui n’était jamais là, vous ne faites que lancer des fléchettes sur une cible et vous n’avez aucune idée si vous l’atteignez ou non. J’ai souvent travaillé sur la base d’idées d’autres personnes, et la chose qu’ils m’ont laissée faire, c’est : « Voici l’idée, maintenant faites-la tourner ». Et Jim est très spécifique sur ce qu’il veut et à un certain niveau, c’était un compromis, malheureusement.
« It’s All Coming Back to Me Now » est toujours une chanson très contestée, à aimer ou à détester, qui a imprégné la culture pop. Glee l’a reprise, les participants à des concours de chant de téléréalité continuent de l’aborder dans le monde entier, et elle a été utilisée comme piste de fond pour d’innombrables vidéos réalisées par des fans sur YouTube pour toutes sortes de couples fictifs dont l’amour a connu des hauts et des bas : Olivia et Fitz de Scandal, Meredith et Derek de Grey’s Anatomy, et Sailor Moon, et il a même été utilisé pour une danse chorégraphiée lors d’une compétition en Floride en 2010.
Son héritage est à jamais lié à Céline Dion, et à juste titre. Elle sait comment épauler un opéra pop, et c’est l’une de ses meilleures performances à ce jour. C’est un précurseur parfait du plus grand succès de sa carrière, qui viendra l’année suivante avec la chanson thème de Titanic en 1997, « My Heart Will Go On ». Et si Meat Loaf a pu être contrarié de ne pas être arrivé le premier, que Dion ait pu mettre son empreinte sur la chanson, c’est en fait Caswell qui a subi la plus grande brûlure. Après tout, c’est bien elle qui a enregistré « It’s All Coming Back to Me Now » en premier.
« Elle était une si grande star ! ». dit Caswell. « Si j’étais Jim, je ferais la même chose ». Et, bien qu’ils ne se soient pas parlé depuis quelques années, elle admet en riant qu’elle savoure une victoire. « Jim aimait toujours me dire qu’il y avait tous ces combats sur internet, les fans se renvoyant la balle pour savoir quelle version était la meilleure, et il aimait me dire que je gagnais toujours. »
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